Osanna - L'Uomo (1971)

O vasto e rico rock progressivo italiano merece ser explorado de forma latente e visceral. A cada voo alçado na velha bota uma velha nova história é descoberta e a banda que falarei hoje foge um pouco o convencionalismo sinfônico que permeia a cena italiana progressiva. Como Il Balletto Di Bronzo, temos outros grandes nomes do hard progressivo dignos do peso que ostentam em sua música. Mas do peso das guitarras, dos riffs poderosos, de solos agressivos, fluía também a natureza plena e altiva da complexidade do rock progressivo e do folclore italiano e uma dose sombria de música pagã, marginal como deve ser o rock na sua mais genuína expressão. Falo de uma das mais emblemáticas bandas da cena progressiva italiana de todos os tempos: Osanna. A dica é o seu debut chamado “L’Uomo”, de 1971. 

"L'Uomo"

Como muitas bandas italianas surgidas entre o fim dos anos 60 e o início da década de 70, o Osanna mostra um beat cheio de psicodelia, música pop, classic rock e um progressivo ainda em processo embrionário enquanto música, cena e cultura. Mas o Osanna, além das características citadas, mostra uma força sonora, calcado no hard rock cru, mesclado com a flauta em nuances de suavidade e caos, saxofones frenéticos, cheios de corpo e substância, com um pouco de um jazz fusion e música clássica também. O que poderia soar algo desconexo, tudo se encaixa fantasticamente bem. Uma das poucas bandas de sua época que tiveram a capacidade de criar um estilo inovador e memorável. “L’Uomo” trazia o frescor da nova música que nascia na Itália, é a pedra fundamental de sons que se flertavam, se retroalimentavam, como o prog rock, o hard rock, o folk rock, era uma sinergia que se personificava também em um aspecto teatral, cênico, com os seus músicos com máscaras, com vestimentas coloridas, talvez resquícios do hipismo, aliado ao peso e a agressividade de uma música intrincada e complexa A história do Osanna começa na cidade de Nápoles no final da década de 60, surgido das sombras do Monte Vesúvio, em uma região chamada Vomero, entre becos lotados, onde o medo, a violência, a pobreza era evidente nos olhos e na pele. Foi nesse ambiente que a música do Osanna foi edificada. O Osanna foi construído a partir da banda local I Volti Di Pietra com Lino Vairetti no vocal, Carlo Fagiani na bateria, Enzo Petrone no baixo e Lino Ajello na guitarra. O nome mudou para Cittá Frontale, nome retirado de um livro do escultor abstrato da Sicília Pietro Consagra. Desde 1969 a banda vinha sofrendo com os intensos rodízios de músicos mas que, a partir dessas intensas mudanças a formação umbilical do Osanna estava nascendo. Fagiani é substituído por Massimo Guarino, Petrone também abandona a banda dando lugar a Lello Brandi e Lino Ajello também decide sair indo para o Il Balletto Di Bronzo, dando lugar a Danilo Rustici. O saxofonista Elio d’Anna, que era de outra banda local, de Nápoles, Showmen, estabilizaria a formação do jovem Osanna.

Osanna

A banda atraiu muita publicidade e atenção ao subir nos palcos com vestimentas romanas e os rostos pintados, mostrando seus dotes artísticos não apenas pela música, mas pela parte visual, teatral e estética, tanto que alguns grupos de teatro colaboraram com a banda neste quesito estético transformando seus shows em verdadeiras performances cênicas o que era totalmente novo e revolucionário naquela época na Itália. O Osanna ganhou alguma fama e foi considerada como uma das melhores bandas no Festival Pop de Caracalla. Nessa época o Gênesis se apresentou na Itália e o Osanna os acompanhou abrindo seus shows o que facilitou a vida da banda para atingir certa visibilidade. A formação do Osanna em “L’Uomo” tinha: Lino Vairetti no vocal, harmônica, hammond, sintetizador e guitarra, Danilo Rustici na guitarra, Elio D'anna  na flauta e saxofone, Lello Brandi no baixo e Massimo Guarino na bateria e percussão.

Osanna com seus rostos pintados

O álbum é inaugurado com a sugestiva faixa “Introduzione" com um violão suave, sintetizadores em uma atmosfera contemplativa, depois surge o baixo, bateria, guitarra e gaita em uma crescente agressiva, pesada, o hard rock de braços com o progressivo em uma mescla mais do que perfeita.

Osanna - "Introduzione"

“Introduzione” leva a faixa título, “L’Uomo” que, diante de uma apresentação de guitarras acústicas, uma balada inicial com o vocal limpo e dramático de Lino Vairetti, irrompe em frenéticas notas de saxofone com interlúdios de flauta e gritos de “Hosana”! Uma letra que fala de criação, de vida. Seus versos iniciais dizem por si só: "O homem, a terra, o céu e o mar / Criar, criar, criar em todos os lugares / O sol, a luz, o frio e o calor / O amor, o amor, o amor em todos os lugares."

Osanna - "L'Uomo"

A fusão de música clássica, de hard rock é perceptível em faixas como “Mirror Train” que nos mostra um hardão nos riffs de guitarra, com uma mistura de jazz rock e folk com uma flauta a la Ian Anderson cheio de energia e força. E como toda grande banda de rock italiana dos anos 1970 tem de ser politizada e se posicionar de forma corajosa. A música termina com as notas do hino comunista "Bandiera Rossa", com uma guitarra distorcida e raivosa, lembrando Jimi Hendrix, uma das referências do Osanna que dizia: "Mente para onde você está indo / Se você quiser fazer / Nunca olhe para trás”.

Osanna - "Mirror Train", Live at Napoles (2012)

“Non Sei Vissuto Mai” vem poderosa, varrendo tudo que vem pela frente, um típico e poderoso hard rock, cadenciada por doces flautas, em uma pegada mais psicodélica e folk, mas que logo se encorpa com o peso dissonante das guitarras de Danilo Rustici e o vocal rasgado de Vairetti.

Osanna - "Non Sei Vissuto Mai", Live (1973)

Temos a avassaladora “Vado Verso Una Meta” com um riff pegajoso, mas muito competente de guitarra e uma cozinha de tirar o fôlego, certamente a mais hard do álbum. 

Osanna - "Vado Verso Una Meta"

“In Un Vecchio Cieco” começa com um solo de bateria que descortina uma sonoridade bem folk e suave ao som de um violão acústico, uma balada bem viajante, mas depois nos mostra o poder sonoro e caótico de um saxofone louco e o riff de guitarra que combina com essa loucura toda me remete ao King Crimson dos primórdios.

Osanna - "In Un Vecchio Cieco"

Temos a poderosa balada chamada “L'amore Vincerà Di Nuovo” com destaque expressivo da flauta de Elio D'anna, com dedilhados de guitarra que, entre riffs mais pesados traz todo o clima intenso de um clássico, de um hino, com o vocal poderoso de Vairetti.

Osanna - "L'amore Vincerà Di Nuovo"

“Everybody's Gonna See You Die” é a faixa mais solar do álbum, animada começa com riffs de guitarra pesados, uma faixa cantada em inglês, com uma intensa velocidade com um excelente desempenho vocal. Um hardão setentista com direito a solos de guitarra e flauta tocada mais freneticamente.

Osanna - "Everybody's Gonna See You Die"

E para fechar o álbum “Lady Power” dando sequência a faixa anterior que também é cantada em inglês. Um verdadeiro petardo, uma catarse sonora com solos criativos e pesados de Rustici, flautas arrebatadoras de Elio D’Anna, cozinha bem afiada e sinérgica com um baixo pulsante de Lello Brandi e uma bateria forte e marcada de Massimo Guarini. Uma hecatombe instrumental!

Osanna - "Lady Power"

Não se pode falar da história do hard rock e do progressivo italiano sem passear pelas notas, arranjos e melodia de “L’Uomo”. Já neste álbum torna-se perceptível um Osanna já maduro e com uma identidade musical plenamente definida que viria a se consagrar em “Palepoli”, por exemplo. Um grande álbum que representa com maestria o gênese do progressivo italiano pelo seu compromisso visual, criativo e social e claro, sonoro.

A banda:

Lino Vairetti no vocal, 12-string guitar, harmonica, Hammond  e sintetizadores

Danilo Rustici na guitarra e pipe organ

Elio D'anna na flauta e saxofone

Lello Brandi no baixo

Massimo Guarino na bateria e percussão

Faixas:

1 - Introduzione

2 - L'uomo

3 - Mirror Train

4 - Non Sei Vissuto Mai

5 - Vado Verso Una Meta

6 - In Un Vecchio Cieco

7 - L'amore Vincerà di Nuovo

8 - Everybody's Gonna See You Die

9 - Lady Power 

The Trip - The Trip (1970)

Sou abertamente um fã da banda italiana THE TRIP e sem dúvida é uma das mais importantes e essenciais da Itália e de todo o mundo. Essa banda deve e merece ser reverenciada e ser colocada em uma espécie de pedestal de referência no estilo. O The Trip, como muitas bandas na Itália na virada da década de 1960 para a de 1970 ainda respiravam o beat italiano, a sua versão para a música dançante psicodélica, lisérgica. 

O The Trip, no seu gênese, contava com músicos ingleses e, com o beat italiano em alta, a cena psicodélica daquele país, os membros fundadores Arvid "Wegg" Andersen, baixista e vocalista, Billy Gray, vocalista e guitarrista, além do baterista Ian Broad, partiram para a Itália para garantir um lugar ao sol. Foi também um jovem e promissor guitarrista, um cara chamado Ritchie Blackmore, isso em 1966. Essa história por aqui é tabu, beirando a lenda. 

The Trip

Em conversa com o grande Pino Sinnone, baterista italiano que viria a se integrar à banda quando a mesma se instalou em terras italianas, confirmou ao "Luz ao Rock Obscuro" que Ritchie fez parte da banda e fora com os demais músicos para a Itália, juntamente com Riki Maiocchi, que era vocalista do The Chameleons em 1966, e lá ficou por alguns meses, entre setembro e dezembro daquele ano. 

O motivo de Blackmore ter ficado pouco tempo e ter deixado o The Trip foi, segundo Sinnone, que o público não apreciava a música da banda à época e os proprietários das casas de shows não pagavam bem nas suas apresentações, então ele retornou à Inglaterra. Mas ainda segundo o baterista Pino Sinnone, Ritchie e os demais integrantes ingleses da banda adoravam espaguetes e ele, Pino, dava a comida para saciar a fome dos jovens músicos. Essa é que eu chamo de uma história pitoresca e interessante que vale registrar por aqui.

Andy "Weeg" Andersen, Ritchie Blackmore (meio) e Jim Evans

Mas logo o "tempero" italiano se juntou ao The Trip e a história começou a mudar, para melhor, para banda. Entra Joe Vescovi, residente de Savona, um exímio tecladista que seria representativo para a estrutura sonora da banda e a saída de Ian Broad da bateria para a entrada substancial de Pino Sinnone. A formação com Sinnone, Vescovi, Andy Wegg e Gray seria a primeira e histórica formação que gravaria o primeiro e grande álbum de 1970 do The Trip, simplesmente chamado "The Trip", alvo da minha resenha de hoje.

Bandas já surgiam aos montes na Itália e a maioria dessas que se consagraram e ajudaram a edificar o rock progressivo como Le Orme, Premiata Forneria Marconi, Banco del Mutuo Soccorso, entre outros, que gravaram seus primeiros álbuns ainda sobre as vestes da psicodelia e da música popular italiana e o progressivo ainda era uma música que prometia e que estava engatinhando. 

O The Trip também seguiu nessa onda, as cores do hipismo ainda era a tônica na Itália, tendo em seu debut, uma representatividade por trazer a psicodelia "Made in Inglaterra" com a sonoridade característica da música italiana, colocando este álbum em uma posição vanguardista para o rock progressivo italiano.

The Trip em uma apresentação nos seus primórdios 

Embora seja uma banda relativamente conhecida entre os amantes mais passionais do rock progressivo o primeiro álbum da banda é o menos conhecido e cultuado pelos seus fãs, deixando para os clássicos “Caronte” e “Atlantide” o protagonismo de sua história sonora. Contudo fui fisgado pelo underground progressista da sua estréia e me pus a ouvi-lo e consequentemente a escrever sobre ele. A catarse é garantida! 

Um álbum esquecido do The Trip, mas que proporciona satisfação e prazer ao ouvir pelo simples fato da qualidade e corroboração histórica que faço questão de enaltecer: O rock psicodélico é um dos pais do rock progressivo e o The Trip mostra com maestria essa passagem histórica assumindo a paternidade do movimento junto com outras tantas bandas consagradas como Pink Floyd, por exemplo, que com Syd Barrett mostrou o seu  lado lisérgico. 

Um disco transitório, o embrião do rock progressivo que nasceu e deu filhos robustos e saudáveis que  deleitamos como “Caronte” e “Atlantide”, por exemplo. Torna-se essencial a audição deste primeiro álbum do The Trip para conhecermos a história do rock progressivo no seu primórdio e, sobretudo a história da banda. A formação da banda em “The Trip” tinha: Billy Gray na guitarra e vocal, Joe Vescovi no órgão, vocais e arranjos, Arvid “Wegg” Andersen no baixo e vocal e Pino Sinnone na bateria e percussão, onde assinaram um contrato com a RCA em 1970 lançando seu tão esperado trabalho.

The Trip em estúdio (1970)

A faixa inaugural, “Prologo”, mostra um lado bem obscuro e experimentalista e muito lisérgico do The Trip com a predominância do bom e velho órgão, do teclado, do hammond, um símbolo do prog-psicodelismo. Uma bela música instrumental que floresce em uma explosão lisérgica, um acid rock com pitadas proto progressivas.

"Prologo"

“Incubi” mostra um vocal bem executado e competente que seria a tônica para os discos seguintes com destaque para o teclado e batida bem dançante e envolvente e solos viajantes de guitarra.

"Incubi"

“Visioni Dell'aldilа” segue no mesmo ritmo, com o talento de Joe Vescovi, saudoso, no teclado e o vocal embriagante e transcendental. É sem sombra de dúvida a mais psicodélica do álbum. 

"Visioni Dell'aldila"

“Riflessioni” é uma das melhores músicas do álbum, pois mostra com nitidez sonora a característica da música do The Trip com uma levada lenta e com um trabalho excelente de vocal e uma música totalmente progressiva, muito a frente daquele tempo. 

"Riflessioni"

“Una Pietra Colorata” fecha o álbum com chave de ouro com uma música mais para cima, mais pesada, com uma pegada pop, diria radiofônica, bem interessante. 

"Una Pietra Colorata"

Enfim, não é o clássico do The Trip, mas que desenhou a sua história e de toda uma cena progressiva marcando a transição entre o psicodélico e o prog rock e me arrisco a dizer que é o melhor álbum dessa fase da Itália. A música impressionística do The Trip, como era conhecida naquela época, tingiu, como uma obra de arte, a história da música progressiva italiana e a marcou para todo o sempre.

Agradecimento especial ao Pino Sinnone por ter colaborado pela construção dessa resenha. Grazie!

A banda:

Billy Gray na guitarra e vocal

Joe Vescovi no órgão, vocal e arranjos

Arvid "Wegg" Andersen no baixo e vocal

Pino Sinnone na bateria e percussão

Faixas:

1 - Prologo

2 - Incubi

3 - Visioni Dell'aldilà

4 - Riflessioni

5 - Una Pietra Colorata 

"The Trip" (1970)

Pythagoras - Journey To The Vast Unknown (1980)

Não sou apreciador da música eletrônica, sobretudo com essa proposta dos dias atuais. Sou adepto da música “orgânica”, com os músicos em palco mostrando todo o seu esforço em elaborar a sua musicalidade com os seus instrumentos, extraindo deles o seu melhor. 

Talvez seja um argumento um tanto quanto ortodoxo ou convencional, mas essa é a minha concepção sobre música. Essa banda que abordarei é conhecida por executar um progressivo eletrônico com o pilar sonoro baseado em sintetizadores, teclados e bateria. 

Não sou o mais adequado para tecer comentários técnicos sobre música, sou movido por emoções que a música me provoca, e dessa forma falo sobre elas, mas não consigo ouvir na música da banda holandesa PYTHAGORAS em seu primeiro álbum, chamado “Journey To The Vast Unknown”, de 1980, como progressivo eletrônico. 

Vejo e ouço um trabalho arrojado e desafiador que entrega uma verdadeira sinergia sonora, capitaneada pelas teclas dos sintetizadores, que é basilar do mais puro e genuíno rock progressivo. Não podemos confundir música eletrônica com recursos eletrônicos extraídos de instrumentos, como é o caso do PYTHAGORAS.

É evidente que bandas como Tangerine Dream e Kraftwerk, por exemplo, trouxe o pioneirismo do uso dos sintetizadores à música, mas o Pythagoras trouxe mais sensibilidade a proposta, mais complexidade, mais dramaticidade. 

“Journey To The Vast Unknown” traz o protagonismo dos teclados e dos sintetizadores, mas também enaltece, com qualidade, o rock progressivo e o space rock, em todas as suas concepções. Assim se prossegue o álbum. É belo, é viajante, mostrando que, apesar de ter sido lançado no primeiro ano da década de 1980, considerada, mercadologicamente falando, um período sombrio para o rock progressivo. 

A formação do Pythagoras se inicia em uma loja de discos na Holanda, na cidade de Haia, chamada Moonlight Records, no final dos anos 1970. O proprietário era o baterista Bob de Jong que havia tocado em bandas locais como Key, Pine-Apple e também era baterista de estúdio da gravadora holandesa Phongram. 

Um dos visitantes assíduos da loja era o tecladista René de Haan, que sempre comentava de ambiciosos projetos de fazer música com base nos sintetizadores. Seu quarto, na casa de seus pais, era o seu QG (Quartel General) e estava repleto de instrumentos musicais como o Korg MS 20 e o sintetizador “trilogy”, um piano digital Roland, um conjunto de cordas Solina e um sequenciador digital Firstman 1024. 

Rene de Haan e Bob de Jong

Bob ficou animado e se deixou levar pelo sonho do jovem René, de apenas 19 anos, levando ao lançamento do álbum “Journey To The Vast Unknown”, de 1980, alvo da resenha de hoje. Teve, à época, uma prensagem privada de  apenas 500 cópias. Bob enviou alguns LPs promocionais para alguns DJs conhecidos como Wim Van Putten, Skip Voogd e Frits Spits. 

Em pouco tempo, a novidade: Sua caixa de correio estava cheia de cartas de todo o país de interessados e fãs pela sua música de sintetizador. “Journey To The Vast Unknown” começa com a faixa título, uma suíte, dividida em quatro fragmentos, totalizando pouco mais de 18 minutos: uma música complexa, introspectiva, melódica, convincente, hipnotizante, viajante com suaves e lentos conjuntos de sintetizadores, com a vivacidade da bateria, a simbiose entre sintetizadores, mellotron e bateria é algo maravilhoso nesta faixa, um prog rock com space rock elevado à potência cósmica e de muita qualidade. 

"Journey to the Vast Unknown Part I and II"

"The Journey to the Vast Unknown Part III and IV"

Na sequência tem “In To The In” traz uma introdução mais soturna e contemplativa, claro, dos sintetizadores, entrando o teclado em uma espécie de prog sinfônico mais introspectivo, com a bateria trazendo uma base mais densa. 

E finalmente fecha com a excelente “When It Comes” que parece fazer com sua alma se desprenda do corpo e se põe a vagar, a voar sem destino. Um coro se faz ouvir, o único e breve momento em que se ouve vocais, com teclados delicados e poderosos, ao mesmo tempo, que te estimula a assobiar instintivamente seguindo o ritmo. 

Tudo conspirava a favor: piano, teclados, sintetizadores e a bateria, entrando em seguida, vagarosa, soft, lenta. Linda faixa para fechar um álbum fantástico, emocionante e que entrega ao público a corroboração de que música precisa de músicos inspirados e arrojados, a música orgânica com recursos eletrônicos que se complementam em uma convergência sonora. 

“Journey To The Vast Unknown” foi relançado  algumas vezes e, em alguns momentos, vendidos por cerca de 5.000 cópias, o que é incrível para uma proposta pouco ortodoxa, como o uso predominante de sintetizadores.

A banda:

Bob de Jong na bateria, percussão e sinos tibetanos.

René de Haan nos sintetizadores, strings, sequencer, mellotron e piano.

Faixas:

1 - Journey to the Vast Unknown parte I

2 - Journey to the Vast Unknown parte II

3 - Journey to the Vast Unknown parte III

4 - Journey to the Vast Unknown parte IV

5 - In to the In

6 - When it Comes 

"Journey to the Vast Unknown" (1980)

Too Much - Too Much (1971)

Sabe quando você ouve uma banda pela primeira vez e é arrebatado por um sentimento de leveza, um estado puro de catarse? Sua alma levita, parece que sua alma sai do seu corpo e te contempla chegando a conclusão de que não somos apenas um pedaço de corpo orgânico, mas um sistema complexo de sentimentos intangíveis aos olhos, mas de emoções que te injeta adrenalinas, que te deixa em puro êxtase. 

A música tem essa capacidade: te dá o oxigênio, te dá a melhor fase de sua vida, te proporciona prazer, o psicotrópico de que precisamos para seguir em dias turbulentos de tantas incertezas. Por que digo tudo isso? Essa banda que falarei agora, que fará com que eu tenha a difícil, mas prazerosa missão, de textualizar traz uma ebulição de sentimentos e que conheci recentemente em uma busca aleatória ou talvez nem tanto, por bandas obscuras ou relegadas ao ostracismo.

Me arrebatou de tamanha maneira que no último minuto de duração do álbum, em ainda estado de pura letargia, despertei com a seguinte frase: Preciso fazer uma resenha sobre essa banda, sobre este álbum! Repetia incansavelmente: Maravilhoso, ótimo, excelente! 

E, já recuperado dessa avalanche sonora, cá estou aqui, protocolando as minhas emoções. A banda se chama TOO MUCH e vem do Japão, mais uma banda japonesa que me apaixonei perdidamente. De acordo com algumas fontes de pesquisa que reuni para a confecção do meu texto, li que o Too Much era frequentemente chamado de “Black Sabbath japonês”, o que parecia ser uma tendência graças ao que o Sabbath vinha fazendo à época, rompendo paradigmas no início dos anos 1970, mas que, nesse caso, não se parece nem um pouco com a banda inglesa. 

Too Much

O único álbum do Too Much, homônimo, lançado em 1971, tem peso, é um hard rock potente, com guitarras raivosas, cozinha poderosa, mas que para apenas por aí. “Too Much” traz algumas pitadas generosas de blues, progressivo e até instrumentos de sopro e orquestra, isso mesmo, violinos e tudo o mais. 

Um álbum extremamente versátil que absorveu tudo o que se fazia na época e que, claro, estava sendo edificado, como hard rock, prog rock etc. Mas antes de falar do álbum, darei uma pincelada na história do Too Much. 

A banda foi formada na cidade de Kobe, nos arredores do porto da cidade, de onde os membros da banda cresceram ouvindo tudo que o ocidente produzia naquela época sobretudo o psicodelismo que estava em alta como nos Estados Unidos e Inglaterra, por exemplo. 

O guitarrista Junio ​​Nakahara passou o fim dos anos 1960 tocando blues em uma banda chamada The Helpful Soul, uma banda de Quioto, formada em 1968 e que lançou dois álbuns. Mas a banda não estava fazendo muito sucesso, o público não estava se interessando muito então Nakahara decidiu seguir um novo caminho, saindo da banda, com a intenção de criar um projeto mais “rocker”. 

Foi a partir daí que o Too Much nasceu. A inspiração veio quando o The Helpful Soul estava abrindo o show de outra seminal banda japonesa, a então recém-formada Blues Creation que, na turnê do seu primeiro álbum, cuja resenha está aqui para leitura (Blues Creation - The Blues Creation (1969)), tocava em Kyoto e quando Nakahara viu aquilo tudo ficou excitadíssimo decidindo criar a sua nova banda. 

A turnê do Blues Creation se chamava “Too Much”, daí veio a inspiração para o nome da banda de Junio Nakahara. Com a banda formada Nakahara convida o cantor Juni Lush, mudou seu nome para Tsomu Ogawa e trouxe consigo os colegas de escola Hideya Kobayashi, na bateria e Masayuki Aoki no baixo.

Com a banda pronta e afiada foi assinado um contrato com a Atlantic Records, em 1970, nascendo para o mundo o álbum “Too Much” um ano depois. Um verdadeiro hino proto metal com doses de blues e rock progressivo. 

O álbum é inaugurado com a monstruosa “Grease it Out” com um riff pesadão, denso, sujo, lembrando um doom metal arrastado e sombrio. A base da música se faz com riffs de guitarra, fazendo dela um heavy metal de vanguarda sem sombra de dúvida, com um vocal bem forte e limpo. 

"Grease It Out"

“Love That Binds Me” é uma maravilha ao estilo bluesy, a guitarra se comunica, canta, chora aos virtuosos dedilhados de guitarra de Nakahara e do vocal mais grave de Juni. Um som com personalidade e dramaticidade. 

"Love That blinds Me"

“Love is You” traz de volta aos eixos do hard rock com sustentabilidade dos riffs de guitarra e vocal abafado e que no meio da música ganha velocidade, mais agressividade nos remetendo aos tempos que viria com o heavy metal oitentista. “Reminiscence” traz um pouco de melancolia ao álbum, uma linda e sombria balada com um belíssimo e desconcertante solo de guitarra. Viagem garantida! 

"Reminiscence"

“I Shall Be Released” continua na proposta de balada, com uma pegada mais country com o destaque para o vocal bonito e limpo de Juni Lusch e a guitarra solando de Nakahara que quase fala de tão linda. “Gonna Take You” faz o hard rock voltar a cena com, mais uma vez, riffs capitaneando, trazendo protagonismo a faixa, com destaque para a bateria forte e marcada de Aoki. Faixa vibrante e avassaladora! 

"Gonna Take You"

E o fim e algo simplesmente apoteótico com “Song For My Lady (Now I Found)”. A faixa mais progressiva do álbum que começa com a flauta e o dedilhado delicado do violão com a orquestra e violino ao fundo e com o vocal de Juni por cima com tanta intensidade e drama, fazendo o ouvinte se arrepiar dos pés a cabeça. E tudo vai ficando mais encorpado, os instrumentos em uma simbiose perfeita com a orquestra, os violinos, tudo conspira a favor de emoções que vão ficando á tona. Espetacular! 

"Song For My Lady (Now I Found)"

O estilo afro e descolado de Juni Lusch chamou a atenção dos empresários da Atlantic Records que viu no vocalista uma fonte de ganhar dinheiro e com potencial de sucesso, fazendo com que, mesmo que indiretamente (ou não), dissociasse este da banda, sendo os demais uma sombra do cantor, sendo esse o começo do fim da banda que encerrou as suas atividades, logo após o lançamento desse magnífico álbum que certamente está entre os melhores eu ouvi nos últimos anos.

A banda:

Junio Nakahara (Tsomu Ogawa) na guitarra

Juni Lusch no vocal

Hideya Kobayashi na bateria

Masayuki Aoki no baixo

Com:

Mickie Yoshino no piano e teclados

Isao Tomita no arranjo orquestral e instrumentos de sopro (flauta)

Faixas:

1 - Grease It Out

2 - Love That Binds Me

3 - Love Is You

4 - Reminiscence

5 - I Shall Be Released (Bob Dylan)

6 - Gonna Take You

7 - Song For My Lady

"Too Mucho" (1971)

Bloody Mary - Bloody Mary (1974)

O conceito de obscuro, de banda obscura, nos tempos atuais, pode ser relativo. Com o advento das tecnologias que envolvem a informação algumas bandas tidas como raras, obscuras, desconhecidas podem ter seu material, seus álbuns em evidência, visualizados por um número maior de pessoas em todo o mundo. 

Redes sociais, canais de música, sites, plataformas de músicas e tantos outros formatos trazem hoje ao ouvinte a possibilidade, em tempo recorde, de ouvir e ter acesso a bandas que jamais ouvira falar. E não podemos esquecer as pessoas, os donos de veículos de comunicação, que são verdadeiros abnegados, que, com muito afinco, divulga, por intermédio de todas essas ferramentas de informações virtuais, essas bandas, sem contar que alguns selos undergrounds que resgatam materiais não lançados na época, trazendo a luz magistrais álbuns e ressuscitando, muitas das vezes, as próprias bandas. 

Claro que a proporção, em termos de fãs e reconhecimento não será daquela banda consagrada, gigante, que tem décadas de sucesso e altas vendas de álbuns, reforçando a condição das bandas obscuras nesse estágio ainda que tenha seu álbum divulgado por fãs e gravadoras em tempos de encurtamento das informações. 

Mas tem uma banda que, mesmo em tempos de informação em tempo real e ferramentas tecnológicas de comunicação em massa, ainda se coloca em uma posição obscura, diria rara a muitos ouvidos, mesmo aqueles ávidos por bandas obscuras: Falo do BLOODY MARY. 

A banda foi formada na cidade de Nova Iorque e pouco se tem de informação da mesma até os dias de hoje. É tudo escasso, envolta em uma sombra de boatos e evidências questionáveis. O Bloody Mary gravou apenas um álbum, no ano de 1974, autointitulado, com uma limitadíssima quantidade de 1.000 cópias pelo selo "Family Productions Inc." que teve vida curta, bem como a banda ou pelo menos é que as poucas informações conferem.

“Bloody Mary” foi gravado no  UltraSonic Studios, em Hempstead, Nova Iorque, pelo famoso produtor Vinny Testa, um figurão da indústria fonográfica, da Community Productions, e todas as faixas foram creditadas ao Bloody Mary. Mas o que faz dessa banda obscura e rara são as névoas, as sombras envoltas em sua breve vida: o mistério sobre os integrantes que a compuseram. 

Não se sabe quem tocou guitarra, bateria, baixo, teclado e vocal, daí se creditando as faixas no nome da banda. Uma banda sem rosto. E com esse mistério, surge outro. O Bloody Mary teria uma relação muito tênue com outra seminal banda, considerada um “clássico do obscuro”, o Sir Lord Baltimore. 

Havia rumores de que o baterista e vocalista do “Sirlordão”, John Garner teria tocado na banda, teria sido o vocalista do Bloody Mary e que até hoje não teria sido confirmado. Mas em maio de 2007 o próprio Garner negou qualquer conexão com a banda dizendo inclusive que nunca ouvira falar do Bloody Mary até, claro, ser questionado sobre o seu possível vínculo com a banda. Há outro boato também: de que "Bloody Mary" seria o terceiro álbum do Sir Lord Baltimore, o que o baterista/vocalista também não confirma.

John Garner

Para variar e como boato gera mais boato, há outra história de que o Sir Lord Baltimore estaria gravando o seu segundo álbum no mesmo estúdio e, ao mesmo tempo, no mesmo período que o Bloody Mary, em Hempstead, em Nova Iorque, quando Garner foi convidado para ser o vocalista, mas essa informação não tem sustentação, há um equívoco cronológico, haja vista que o segundo álbum do Sir Lord Baltimore, homônimo, fora lançado em 1971 e o álbum do Bloody Mary foi concebido 3 anos mais tarde, em 1974. 

Mas mistérios, obscuridades históricas e boatos à parte o álbum é um excelente e catártico hard rock típico, mas avassalador, vigoroso e poderoso com sustentação em riffs e solos bem estruturados de guitarra com uma boa camada de teclados e pitadinhas progressivas “temperando” o som, tendo influências de bandas como Uriah Heep, Deep Purple e algumas bandas alternativas norte americanas como Bull Angus e até o próprio Sir Lord Baltimore. 

O álbum abre com “Dragon Lady” que timidamente é introduzida por um solo de bateria que vai encorpando com riffs de guitarra, uma discreta camada de teclados e irrompe em uma hecatombe instrumental e um vocal agressivo e intimidador com um excepcional alcance, muito agudo e vai cadenciando entre a leveza e o peso explosivo. 

"Dragon Lady"

“Highway” é mais solar, dançante, energética, tendo nos teclados a sua estrutura sonora, mas com solos de guitarra simples, mas envolventes. “Riddle of the Sea” começa introspectiva, um violão acústico embalando um vocal soturno, misterioso, mas vai ganhando força, de forma gradativa, uma balada rock cheia de personalidade que ganha robustez com solos de guitarra mais agudos e altos e bateria seguindo o peso. 

"Highway"

Ponto alto do álbum sem dúvida “Free and Easy” chega mais animada também, mas não menos pesada, um típico hard rock de “festa” com um duelo, mais do que salutar, entre guitarra e teclado aqui tocado de forma mais frenética. “You Only Got Yourself” te leva a uma viagem com dedilhados de guitarra inaugurais, mas que logo se revela o peso capitaneado pela bateria e o teclado trazendo uma camada mais progressiva a faixa cheio de viradas rítmicas. Excelente música! 

"Free Easy"

“Can You Feel It (Fire)” esmurra a porta com um riff sujo e pesado de guitarra, sendo sustentado por uma “cozinha” excelente e energética, o poderio bélico instrumental dessa música é incrível. E fecha com “I Hear the Music Playing” com um doce piano na introdução, uma balada, um momento mais “brando” do álbum, com um vocal mais limpo e bem executado, mas não se engane ele explode em um hard rock intenso e cadenciado. 

"Can You Feel It (Fire)"

Apesar de ser um grande álbum, um espécime típico do mais puro e genuíno hard rock praticado em sua intensidade, em meados dos anos 1970, quando fora lançado, as poucas informações que há sobre o futuro da banda após o lançamento é de que não houve o futuro, finalizando as suas atividades logo após o surgimento do álbum de 1974. 

Teve mais um relançamento pelo selo sul coreano chamado "Big Pink", um mini LP, em 2014, e infelizmente sem a relação dos integrantes da banda. Isso sim é obscuridade, mas o álbum sim, esse está evidente aos olhos e ouvidos de todos, provando o quanto é uma pérola bruta recomendadíssima.

A banda:

Sem créditos

Faixas:

1 - Dragon Lady

2 - Highway

3 - Riddle of the Sea

4 - Free And Easy

5 - You Only Got Yourself

6 - Can You Feel It (Fire)

7 - I Hear the Music Playing

"Bloody Mary" (1974)