Medusa - Calling You (1977)

 

Nessa minha saga desbravando os “escombros” empoeirados do rock n’ roll, por intermédio deste reles e humilde blog que você, caríssimo leitor, tem lido e que eu eternamente agradecerei pela audiência e credibilidade, tenho feito algumas loucas, estranhas e doces descobertas.

Porque a minha atual realidade, ou melhor, a minha realidade há anos nas minhas audições é exatamente trazer algo mais arrojado e pouco usual para a minha vida “sonora”. Não é tão somente a complexidade sonora que me cativa mais, mas a loucura despretensiosa e nitidamente suja. Sabe aquelas produções “artesanais” repletas de defeitos? É isso!

E mesmo diante disso tudo, ainda consigo ouvir e apresentar, em meu blog, as sonoridades de que sempre apreciei e “degustei”, como prog rock, hard rock, psych, stoner rock, entre tantos outros. É possível “harmonizar” todas essas vertentes ao que estou desbravando? Sim, caros leitores! E consegue com um prog rock, por exemplo, tido como uma sonoridade tão sofisticada? Sim, porém com nuances mais, digamos, underground, garageira mesmo.

E hoje eu gostaria de apresentar a todos os amigos leitores algo totalmente inusitado, louco e pouco, pouquíssimo normal para a realidade pasteurizada e previsível do rock, logo raro, muito rara, afinal, como que uma sonoridade como essa pode ser encarada como algo potencialmente “consumível” para um público ortodoxo do rock, de um mercado conservador. Falo da banda alemã MEDUSA.

Essa obscura banda germânica eu descobri recentemente e que, como disse, me trouxe uma doce loucura calcada na liberdade criativa e totalmente desprendida de uma projeção mercadológica. E é mais uma “Medusa”, diante de tantas outras que surgiram na mesma condição que esta banda: obscura e que, diante desse cenário, pereceram todas precocemente. Por aqui neste blog há algumas “Medusas”, como a norte americana e mexicana que valem a pena conferir.

E como tantas outras bandas raras e obscuras, o Medusa alemão percorreu um caminho no ostracismo, na escuridão e com uma caminhada efêmera e um fim esquecido e triste, mas são essas histórias fracassadas, comercialmente falando, que entregam os melhores e mais pitorescos episódios.

E como tal poucas são as informações disponíveis sobre as suas origens e sua história, mas tentarei arduamente trazer o máximo que posso sobre o Medusa. A banda, formada na segunda metade dos anos 1970, surgiu em Nordrhein-Westfalen; Parte dos músicos vieram de Wuppertal e de outras cidades mais próximas, como Velbert.

E falando nos músicos a sua formação original trazia Peter Bolling, no baixo, Detlev Orthey, na bateria e percussão, Nobert Labgensiepen, na guitarra, Ingo Klich nos teclados e Volker Kappelmann nos vocais e guitarra.

Em janeiro de 1977 o Medusa lançaria o seu primeiro e único trabalho chamado “Calling You” em uma prensagem privada e extremamente limitada, pelo selo Schnecke Records.

“Calling You” traz uma miscelânea sonora extremamente incomum e arrojada, com influências, pasmem, de punk rock e krautrock e rock progressivo, além de elementos claros de hard rock com discretas pitadas de blues rock. Um tecido psicodélico cobre toda essa sopa sonora com guitarras lisérgicas e batidas beat e pesadas.

Talvez estejam, bons e estimados leitores, se perguntando como pode ser provável ter o rock progressivo e punk rock juntos em um mesmo álbum? Bem não negarei a loucura disso, mas não nego também que é no mínimo atraente ter ouvido “Calling You”!

Claro, o ano de lançamento, 1977, era o período emergente do punk e, como toda banda alemã que se preze, tem de ter um “tempero” prog rock e krautrock e esses caras tiveram a audácia de fundir essas vertentes sonoras e fazer desse álbum estranho, louco e incomum. O prog rock não traz aquela complexidade e sofisticação, mas o que importa? É muito bom ter descoberto e feito a audição dessa sopa bem nutrida de sons arrojados e sem nenhum tipo de carimbo ou rótulo.

Então já que trouxe um pouco do que significa o álbum do Medusa, “Calling You”, vamos trazer um pouco do que cada música oferece? Vamos a elas! E começa com a faixa “Go Kids Go” que já começa com a louca mistura entre punk ou até diria um pré-punk, proto punk com um psych, bem veloz e sujo. O peso se entrelaça com o órgão, com a gaita, com a guitarra eletrificada e vocal meio gritado. O que dizer da gaita no meio do peso, do frenesi da música, dando uma cadência...?

"Go Kids Go"

Mas tudo muda um pouco, ou diria muito, com a faixa seguinte: “The Change”. A música mais longa do álbum, que conta com pouco mais de onze minutos de duração, traz um rock psicodélico, com discretas passagens de krautrock e que mostra algo mais bem elaborado, musicalmente falando, com uma introdução, embora breve, bem linda de guitarra com um solo bem viajante, mas que logo fica pesado com uma bateria marcada e agressiva com um órgão enérgico. Mas logo fica tudo mais introspectivo, trazendo também as variâncias rítmicas do rock progressivo. Há um toque épico nessa música e faz dela o destaque do álbum. É lírico, é vibrante, é viajante.

"The Change"

A sequência traz a faixa “Hey Rock 'n Roll”, já traz, até o fim do álbum, em um total de três músicas, uma pegada mais voltada para o hard rock e blues rock, além do inusitado punk rock também. E nessa música começa com o órgão dando uma camada mais sombria que logo fica mais sinfônico e depois surgem os riffs de guitarra e a bateria pesada e marcada e tudo se funde em uma psicodelia lisérgica e pesada, um hard psych cheio de voluptuosidade. E quando surge o vocal, este traz uma pegada mais proto punk. É espetacular essa faixa, porque mostra arrojo e a vocação dessa banda contra o estereótipo!

"Hey Rock and Roll"

“Medusa´s Calling You” começa com dedilhados de guitarra que me remete a uma balada de heavy metal, algo sombrio, soturno, mas, no decorrer da música, vai ganhando corpo e assumindo seu “lado hard rock”, com a bateria mais agressiva, o órgão mais energético, o baixo mais pulsante...Aqui o hard rock é mais heavy e punk, mas também progressivo, é também repleto de variâncias rítmicas, mostrando um Medusa mais encorpado, mais contundente, musicalmente falando. Mesmo com um álbum despretensioso e por vezes inocente em sua sonoridade, revelou-se complexo e arrojado. As teclas, de uma energia cativante, vão mostrando seu lado mais kraut, com alguma introspecção. O que dizer dessa faixa? Louca e vibrante!

"Medusa's Calling You"

E fecha com “QQ 10” que traz a introdução, cheia de ruídos, ao estilo hawkwind, meio psicodélico, meio space rock, que logo se mistura ao peso lisérgico, com bateria marcada e pesada, com riffs de guitarra mais sujos e viscerais e um baixo mais rasgados e potentes. Mas o peso dá lugar também a viagem progressiva do teclado mais pastoral e contemplativo, mas logo retorna ao peso que alia hard, punk e lisergia. Loucura sonora!

"QQ 10"

O Medusa, ainda em 1977, mais precisamente falando na segunda metade daquele ano lançaria um single, em maio, no Horst Burghardt – Tonstudio - Engelsmann & Burghardt em Castrop-Rauxel, com as faixas “Ocean Dream” e “Freedom”, pelo selo Life Records, da Alemanha, mas muito difícil de achar para audição.

E com essa nova gravação a banda traria também uma nova formação, trazendo a vocalista Njoschi Weber, o baterista Gerd Elsner, o guitarrista base e vocalista Peter Eckert, o baixista Pi Klein e o único membro da formação original Volker Kappelmann. A intenção era trazer novos tempos para o Medusa e gravar um novo álbum, mas não conseguiram seguir e pereceram de forma precoce.

Não se sabe se tiveram relançamentos, pouco consegui apurar a respeito dessa obscura banda, mas é informação de que a prensagem original de 1977 é disputado a tapas pelos colecionadores de vinis raros e que reza a lenda de que alguns foram colocados à venda na bagatela dos 600 euros, pasmem! O fato é que a sua sonoridade é arrojada, inusitada e louca, um doce e original loucura que é digna de audição.

A banda:

Peter Bölling no baixo

Detlev Orthey na bateria e percussão e sinos tubulares

Norbert Langensiepen na guitarra

Ingo Klich nos teclados

Volker Kappelmann na guitarra solo, vocais e gaita

 

Faixas:

1 - Go Kids Go

2 - The Change

3 - Hey Rock 'n Roll

4 – Medusa’ s Calling You

5 - QQ 10 

"Calling You" (1977)

 

Amos Key - First Key (1973)

 

É possível extrair boa música de um prog rock com peças descontraídas e repletas de improvisação e experimentação? Talvez essa pergunta não passe de um devaneio febril de minha parte, mas confesso que, a aventura pela qual estou submetido graças às histórias que tenho, a base de muita galhardia, contado neste reles blog, essa pergunta insiste em povoar os meus pensamentos.

Acredito que tais questionamentos surgem por conta de estereótipos que se constroem em certas vertentes do rock n’ roll e que, de alguma forma, nos aprisiona em determinadas questões que não tem, a meu ver, nenhuma ou mínima validade de aprofundamento: o rock é o rock e ponto final. Tudo é rock n’ roll. Evidente que nos deixamos seduzir em questionar ou abordar o que é hard rock, prog rock, blues rock, porque eles estão nas músicas das bandas, mas o fato é que tudo é rock.

Mas de um tempo para cá tenho feito essa pergunta: o prog, tido como uma música sofistica, e de fato é, pode ter uma intima ligação com uma sonoridade mais despretensiosa, improvisada, minimalista ou ainda suja? E, contando, como disse, certas histórias aqui neste simples e humilde blog, tenho desbravado alguns álbuns e bandas que, ao ouvir, me entrega um prog rock capaz de ser despretensioso, calcado em jam sessions ou até mesmo sujo.

E fazendo algumas incursões no universo da música rara e obscura eu lembrei de uma banda, claro, com essa proposta e que, de alguma forma me trouxe a resposta, ou pelo menos uma das respostas, a essa inquietante pergunta. Qual é? AMOS KEY.

Amos Key

A banda alemã Amos Key sintetiza, pelo menos em meus pensamentos, o conceito de uma banda progressiva, mas que traz uma espécie de escárnio sonoro, porque, intencionalmente, traz um som, em seu único álbum, lançado em 1973, de nome “First Key”, uma sonoridade despretensiosa, pouco arrojada, mas ao ouvi-los, percebe-se, por exemplo, referências de bandas icônicas como Emerson, Lake & Palmer e a outra alemã Triumvirat. E, convenhamos, bons amigos leitores, são bandas icônicas porque trazem sofisticação ao seu som. Porém, no caso do ELP, você percebe também, sobretudo ao vivo, uma sonoridade pesada com apresentações arrebatadoras.

Talvez você, um dos poucos certamente, que esteja lendo esse texto deverá me achar um herege, um leviano que está ousando em associar a música do Emerson, Lake & Palmer, a algo sujo, agressivo e até despojado, apesar da sofisticação e da qualidade de seus músicos, mas há também uma liberdade criativa sonora, que propicia uma sonoridade tão diversa e pouco rotulada.

O Amos Key, com seu primeiro trabalho, pode não ter oferecido nada de novo e arrojado, mas nos ensina que é possível aliar certas coisas que, dentro da música, tão dogmatizadas, torna-se possível, embora inusitados. Mas mesmo com todo o aparato pouco ortodoxo, digamos, os instrumentos são executados de forma virtuosa e com qualidade. Sem dúvida “First Key” é um trabalho que deve ser procurado e apreciado por puristas do prog rock sofisticado e até por aqueles que gostam também de algo mais sujo e agressivo. Todo o álbum é produzido de forma clara e poderosa, não podemos negligenciar isso!

Inclusive encontrei uma citação da própria banda falando da sua música e é emblemática a forma como a aborda, descontruindo, de forma categórica, e até engraçada a sua sonoridade, aderindo ao conceito de “progressividade zero”, onde tal vertente sonora estava em voga, principalmente no ano do lançamento de seu primeiro álbum, 1973. Leiam:

"Um verdadeiro tesouro de mutilações de música clássica, fragmentos anêmicos de jazz e clichês de rock desdentados. Há uma falta de substância musical para improvisações, então você conceitua. Mas simplório, muito simplório. Não há preocupação, nem fundo ideológico. Progressividade zero."

As informações recomendam que os potenciais compradores garantam que "adquiram protetores auriculares de bom tamanho em tempo hábil".

Mas falemos ou pelo menos tentemos falar um pouco do Amos Key, porque pouco se tem de referência dessa banda na grande rede. A banda foi formada na cidade de Emmering, na Baviera, no ano de 1970 e tinha na formação um power trio: Thomas Molin (também conhecido como Thomas Müller, teclados, vocais), Andreas Gross (baixo, guitarra, vocais) e Lutz Ludwig (bateria).

Os primórdios do Amos Key foram dedicados ao rock clássico, trazendo a música clássica e a “harmonizando” com o rock n’ roll. E isso refletiu-se no seu álbum onde é notório as influências de Bach, Beethoven e Schumann, trazendo também, como disse, os clássicos do rock progressivo como ELP, Ekseption e The Nice.

“First Key” traz sim uma música complexa, mas muito acessível. São três músicos talentosos, diria arrojados e ousados e a sua sonoridade tem o baixo, bateria e primordialmente o teclado como instrumentos centrais, com a guitarra aparecendo ocasionalmente, muito discretamente. Há momentos em que a som adquire uma atmosfera sombria, com tecidos soturnos, mas a nítida sensação é de que esses caras se recusam a se levar muito a sério. Definitivamente “First Key” é um álbum despretensioso e bem divertido de ouvir, embora tenha nuances bem definidas de complexidade, com o prog sinfônico em voga, com pitadas generosas de uma música pesada.

Como disse o teclado é o cerne da música e, embora óbvio, traz qualidade à música e a surpresa fica para a seção rítmica. Certamente ao ouvinte a bateria e o baixo trarão surpresa. É uma música que flui. Os vocais podem não ser apurados, o sotaque forte e evidente e a mixagem não é das melhores, mas a quem diga que tudo isso é o “charme” da coisa e eu confesso que isso me atrai de forma arrebatadora.

O álbum é inaugurado com a faixa “Shoebread” e já mostra a banda no seu auge, dando o seu cartão de entrada. Os teclados te introduzem ao prog rock, ao prog sinfônico, os interlúdios “prog” são extremamente cativantes, mas te remetem também ao psych dos anos 1960, com uma pegada lisérgica, ácida. É inegável a seção rítmica com seu talento e arrojo, entregando uma vibe jazzística pesada e animada. As variâncias de ritmo corroboram a pegada progressiva. O que eles são capazes de fazer com uma música de pouco mais de quatro minutos!

"Shoebread"

Segue com “Ensterknickstimmstamm” que traz, de imediato, as influências de ELP, com os teclados sendo tocado de forma enérgica, intensa e extremamente vibrante, tão vibrante e intensa que chega a ser pesado e agressivo. Mais uma vez a bateria e baixo tocados ao extremo. Baixo pulsante e pesado, bateria com uma batida forte. Na metade da faixa as teclas ficam mais sombrias, pesadas, mas logo voltam ao original, enérgica e cativante. O solo de teclas é arrebatador.

"Ensterknicktimmstamm"

"Knecht Ruprecht" já me remete a bandas como Triumvirat, fazendo tal referência por esta se tratar de uma banda, digamos, um pouco mais famosa da Alemanha. Segue basicamente a proposta da faixa anterior: peso, teclados em evidência corroborando o peso da música, juntamente com o baixo e a bateria dando todo o “corpo” à música. Diria que esta faixa tem até um pouco de velocidade.

"Knecht Ruprecht"

“Sometimes...” é sombria, é soturna e os teclados, embora mais contidos, é estranho e perigoso, com vocais mais discretos e quase anasalados. Segue com “Got the Feelin’” que retorna ao viés mais pesado e vibrante, a versão predominante da banda neste álbum. Já se percebem, finalmente, riffs de guitarra, com a seção rítmica assumindo protagonismo.

"Sometimes"

“Escape” começa com um choro de bebê e traz consigo, de volta, o prog rock em sua versão mais genuína com os teclados cheios de energia, intensos e vibrantes. As viradas rítmicas ganham força e arrebatam. Aqui, nesta faixa, é admirável o aparato instrumental. A sinergia é esplêndida entre baixo, bateria e teclado.

"Escape"

“Important Matter” começa com um solo de teclado mais austero, algo de órgão de igreja, com o baixo dando uma camada mais consensual e vai, a música, ganhando mais corpo, ficando, gradativamente mais pesada, a bateria com uma batida mais jazzy e pesada, um fusion bem interessante. O prog e o fusion se fundem em uma música solar e vívida.

"Important Matter"

“Dragon's Walk” segue com o mesmo curso musical da faixa anterior: o cerne sonoro que gira em torno dos teclados, a bateria aqui não é tão pesada e segue, em uma espécie de duelo, com os teclados, além de uma pegada jazzy com destaque para a bateria, mais uma vez. O prog se revela nas viradas de bateria, nas variâncias rítmicas muito bem executadas.

"Dragon's Walk"

E fecha com a faixa título, “First Key”, que traz, mais uma vez, aquele órgão sacro muito interessante e austero, com o destaque para o baixo, frenético e pesado, cheio de groove. A bateria é cadenciada, fazendo da faixa mais acessível e até mesmo solar.

"First Key"

Infelizmente a banda não teve uma vida e trajetória longeva, findou suas atividades em 1976. Passeou por grande parte dos anos 1970, mas sem produzir mais material e, talvez estigmatizado por comparações maldosas com o Emerson, Lake & Palmer etc. Evidente que as influências são nítidas, mas isso não desmerece o que o Amos Key produziu e nem por isso pode ser constatado como plágio ou algo do tipo.

“First Key” é divertido, pesado, despojado, despretensioso, mas profundo e complexo, por vezes e nem por isso pode e deve ser considerado como um trabalho banal. A contribuição dos músicos é espetacular e, mesmo trazendo uma sonoridade atípica, tem, muito bem definido, a sua estrutura sonora. Ludwig toca bateria de forma excelente e o baixo de Andreas Gross traz uma carga potente, vibrante e vívida ao som da banda, embora ele tenha declarado que se via um músico “inacabado” em comparação direta aos seus colegas de banda. O fato é que ele tocava de forma fresca e concisa. Mas são as teclas de Molin que molda o som da banda. É o cerne da sonoridade do Amos Key!

“First Key”, que foi lançado pelo selo Spiegelei, em 1974, teve poucos relançamentos ao longo dos anos. Ele foi lançado, pela gravadora Long Hair, em 2016, no formato LP, em 2016, na Alemanha. E naquele mesmo ano, também pelo selo Long Hair, foi relançado, no formato CD, o álbum do Amos Key.

E falando em relançamentos, em 2010, também lançado pelo selo Long Hair, foi veio ao mundo “Keynotes”, com uma apresentação do Amos Key no SWF, em Baden-Baden, sendo remasterizado por Jörg Scheuermann. Essa apresentação aconteceu antes do lançamento de seu álbum de estúdio, em 1973 e somente em 2010 ganhou luz.

"Keynotes" (1973 - 2010)

Convém lembrar que também que foi lançado um single, de forma oficial, que estava planejado para o ano de 1975. Provavelmente seria um segundo trabalho que não teve sequência. O Amos Key, quando gravou esse single, de nome “Fairy Witch”, era um quarteto e contava, além dos já músicos conhecidos que compuseram o álbum de 1974, tinha, no vocal e guitarra, Helmut Jungkunz. Em 2022 foi lançado “Third Key”: The 70 Studio Tapes” que, como o nome sugere, traziam gravações de faixas antigas da banda, dos seus primórdios. Uma banda altamente recomendada!

A banda:

Andreas Gross na guitarra, baixo e vocais

Thomas Molin nos teclados e vocais

Lutz Ludwig na bateria

 

Faixas:

1 - Shoebread

2 - Ensterknickstimmstamm

3 - Knecht Ruprecht

4 - Sometimes...

5 - Got The Feelin

6 - Escape

7 - Important Matter

8 - Dragon's Walk

9 - First Key 

"First Key" (1973)

 

 

Reaction - Reaction (1972)

 

A razão da existência desse blog, além de trazer histórias de bandas de rock e seus mirabolantes álbuns, é basicamente subverter certas “conveniências” do rock e o glamour, muitas vezes inatingível e pouco palpável. É trazer fatos e casos que fogem daquele formato óbvio das cenas e das suas músicas e culturas comportamentais das épocas.

O custo com isso sempre é o afugentamento daqueles que não entendem essas subversões, a rejeição ao obscuro, ao sombrio vilipendiado, aos marginalizados do rock, aos fracassados. Fracassados? Sim, mas criativos! Ousados!

E na Alemanha, apesar da difusão do experimentalismo e do minimalismo do krautrock, tínhamos, sem dúvida, algumas bandas que subverteram (olha a palavra de novo!) ao que se fazia na segunda metade dos anos 1960 e início dos anos 1970. Podemos elencar um bom número delas, mas preciso destacar uma banda, pouco conhecida, mas que se esquivou do krautrock típico daquela longínqua época: falo da banda REACTION.

Definitivamente o Reaction estava totalmente na contramão do que os seus contemporâneos estavam fazendo e que, dentro do underground, estava ganhando alguma notoriedade, sobretudo em terras inglesas. Talvez por isso seu único álbum, lançado em 1972, homônimo, não tenha conquistado o interesse da crítica especializada, inclusive do público.

E com esse cenário de total ostracismo, a consequência seria o fim precoce e iminente e foi o que aconteceu. Mas esperem, caros e estimados leitores, não o farei agora, embora eu não tenha conseguido encontrar muito material de referência para construir esse texto, afinal, pouco se sabe sobre o Reaction, mas tentarei trazer o máximo que pude encontrar sobre essa seminal banda.

Uma seminal banda que, com seu álbum, apesar de cru, poderoso, envolto em hard blues potente e agressivo, não trazia nada de novo à época, embora tenha se deslocado do que as bandas alemãs estavam fazendo, mas se assemelhava e muito com o que bandas inglesas como o Cream e a americana radicada na Inglaterra, o Jimi Hendrix Experience, estavam tocando.

O blues eletrificado e calcado no hard rock era o cerne sonoro do alemão Reaction. Mas não trazia a psicodelia que ainda estava arraigado em Hendrix e na banda do “Deus” Clapton. Era um som cru, sujo, pouco sofisticado, mas solar e pesado, um som potente, vívido, altivo e intenso. Ah e para se assemelhar, ainda mais, às clássicas bandas pesadas aqui mencionados, o Reaction também era marcado por um “power trio”. Eram eles: Peter Braun, na guitarra e vocal, Luigi de Luca, no baixo e Holger Tempel na bateria.

Era assim: formação simples, básica do rock n’ roll para uma música suja, despretensiosa e pesada, sem sofisticação. Para muitos é incompetência sonora, mas para este que vos fala é puro ouro, é o rock n’ roll na sua essência. Esse era o Reaction.

O Reaction foi formado na cidade de Hamburgo, cidade proeminente do rock n’ roll alemão nos anos 1960 e 1970 e na primavera de 1972 nasceria seu primeiro e único álbum, “Reaction” com uma capa muito curiosa e inusitada: um rato em cima de um cacto azul. Licenças poéticas à parte o nome da banda, Reaction, é personificado na capa: a reação de um rato em cima de um espinhento cacto. A produção ficou a cargo de Gerd Müller, com músicas do Reaction e letras de Peter Braun. O álbum foi lançado pelo selo Polydor.

O álbum é inaugurado com a faixa “Mistreated” e o blues rock pesado e primitivo já se revela nos primeiros acordes, mas os riffs de guitarra denunciam também a pegada hard rock. É pegajoso, é pesado e intenso. A bateria tem uma vibe meio jazzy, bem dançante. No final da música o hard rock toma forma e toma conta das ações instrumentais e fecha pesada e agressiva, com solos de guitarra de tirar o folego. 

"Mistreated"

Na sequência temos “What's Going On Around?” que já inicia com o pé na porta sem dó nem piedade! O hard rock puro e genuíno se revela. Os riffs de guitarra são altos e envolventes. Um peso fora do normal que cativa e nos faz “bater a cabeça” alucinadamente. O proto metal tem contornos evidentes, inclusive. Vocais intensos e emotivos, quase dramáticos são ouvidos e entram em total sintonia com o “humor” da faixa. Espetacular!

"What's Going On Around"

“Time” continua na linha a linha hard rock e com muito, muito peso! Riffs poderosos de guitarra se alinham a bateria em uma batida seca, dura e impiedosa, mas vai ganhando camadas mais cadenciadas e em uma variância rítmica, vai se revelando, não somente pesada e despretensioso, mas espirituosa. Mas não vai pensando, caro leitor, que o peso deixa de protagonizar. O solo de guitarra em um “duelo” com a cozinha rítmica faz do aparato instrumental uma hecatombe sonora. “The Mask” é praticamente uma sequência da faixa anterior, mas cheia de groove, solar, dançante. O vocal aqui é mais gritado e por vezes melancólico e dramático e o final e de tirar o fôlego.

"The Mask"

“Funeral March of a Marionette” começa com um balanço envolvente, trazendo uma “cozinha” rítmica repleta de talento e totalmente entrosada: bateria marcada e cheia de ginga, com um baixo pulsante e vibrante. O hard rock não perde a sua majestade e se revela vivo e sedutor.

"Funeral March of a Marionette"

“My Father's Son” remete a um pouco da lisergia, da psicodelia pesada, com destaque para a guitarra ácida e pesada, com solos envolventes e intensos. É pesada, traz o psych rock, mas traz também algo meio comercial e acessível, mas sem soar ruim, claro.

"My Father's Son"

“Live is a Wheel” traz de volta o hard rock, traz de volta o heavy rock. A base é a bateria marcada e de batida agressiva, os riffs de guitarra igualmente pesada e tocada no mais alto decibel possível. Os vocais acompanham, sendo cantados em alto alcance e por vezes gritados, corroborando o peso da faixa. O heavy rock, o proto metal ganha corpo!

"Life is a Wheel"

“Keep On Trying” começa igualmente caótico. Solos e riffs de guitarra se entrelaçam com a bateria pesada, com viradas excelentes, além de um baixo pulsante e repleto de groove e peso. As mudanças de ritmo dão as caras e o peso e a cadência revezam. E fecha com “On The Highway” que traz de volta a veia blueseira dos caras do Reaction. Um baixo, além de pulsante, é cheio de groove e balanço, sedutor. Mas aqui o hard rock também protagoniza e deixa o seu tempero pesado principalmente nos riffs de guitarra.

"Keep on Trying"

“Reaction” teve alguns relançamentos ao longo dos anos, não foram muitos, é bem verdade, e ficou limitado entre selos alemães. Além do lançamento original da Polydor, a gravadora Little Wing Of Refugees lançaria, em 1990, no formato LP, o álbum do Reaction. Em 2013, agora no formato CD, seria lançado pelo selo Zeitgeist e pelo selo Living in the Past, igualmente no formato CD.

As poucas e limitadas cópias faz deste álbum raro e difícil de encontrar e quando se encontra para a venda, os valores são exorbitantes! O total ostracismo e desinteresse que a banda sofreu com seu único lançamento, em 1972, se tornaria cult atualmente. São as voltas que o mercado fonográfico dá. Reaction pode não ter produzido um álbum original, mas sem dúvida destoou dos seus contemporâneos alemães dos anos 1970 com um álbum cru, primitivo, agressivo e pesado.

A banda:

Peter Braun na guitarra, vocal

Luigi de Luca no baixo

Holger Tempel na bateria

 

Faixas:

1 - Mistreated

2 - What's Going on Around

3 - Time

4 - The Mask

5 - Funeral March of a Marionette

6 - My Father's Son

7 - Life Is a Wheel

8 - Keep on Trying

9 - On the Highway

"Reaction" (1972)

 

 

Sahara - For All the Clowns (1975)

 

Para todos que apreciam rock n’ roll, que existe uma rotatividade imensa entre as bandas desta vertente. Vaidades, dinheiro, novos ares vislumbrando projetos mais audaciosos, novos, diferentes do que faziam, podem ser um dos motivos por tantas saídas de músicos ou ainda de vertentes sonoras ou, claro, todos os quesitos também contam como motivo para esse “fenômeno” tão recorrente.

O fato também que, mudanças nas formações e nas vertentes sonoras, embora sejam eventos complexos e difíceis para quaisquer bandas, podem trazer boas novas, sobretudo para os fãs, no que tange a qualidade. Talvez a mudança, por mais complicada possa parecer, podem trazer bons e arrojados frutos, com projetos grandiosos que deixam marcas indeléveis para a história da banda e até mesmo da música.

Poderia escrever, por longas linhas, inúmeros casos, exemplos que se tornaram verdadeiros exemplos e inspirações de que a mudança pode oxigenar realidades estáticas de muitas bandas e outras que sucumbiram caindo em desgraça, no mais profundo ostracismo, mas falarei de uma banda que foi submetida a mais profunda mudança, que passou não apenas na sua sonoridade, o que já é, por si só, substancioso, mas também pelo nome e pela entrada e saída constante de seus músicos: Falo da alemã SAHARA.

Sahara

Mas nos seus primórdios a banda não se chamava Sahara, mas “Subject ESQ.” E foi concebida na cidade de Munique, na Alemanha, em 1966. Tinha, em sua sonoridade, predominantemente o jazz rock, lançando, inclusive, seu primeiro e único álbum, com este nome, em 1972, autointitulado. Sua formação trazia Peter Stadler nos teclados, Michael Hofmann na flauta, saxofone e vocais, Alex Pittwohn na harpa, guitarra e vocais, Stephan Wissnet no baixo e vocais e Harry Rosenkind na bateria e percussão, além da participação de Paul Vincent na guitarra elétrica e espanhola e Franz Löffler na viola.

Após o lançamento do seu debut o Subject ESQ. teria a primeira mudança em sua formação, com a saída do tecladista Peter Stadler e a entrada, de peso, de Hennes Hering, simplesmente o tecladista que gravou os três primeiros álbuns do grande e também alemã Out of Focus. Mas a mudança mais significativa estaria por vir.

"Subject ESQ." (1972)

No ano de 1974, portanto dois anos depois do lançamento de “Subject ESQ”, a banda sofreria mais mudanças e dessa vez começou pelo nome. Mudaria para “Sahara”, e também com uma nova inclusão de músico, dessa vez do guitarrista Nicholas Woodland, guitarrista original de outra seminal banda alemã, o Gift, passando a nova banda, Sahara, ser um sexteto.

E com uma nova formação e nome, o Sahara gravaria o seu primeiro álbum chamado “Sunrise”, em 1974. A banda teria, em seu line-up, portanto, Nick Woodland na guitarra, Hennes Hering nos teclados, Michael Hofmann no moog, mellotron, composição e vocais, Alex Pittwohn, na harpa, no saxofone e vocais, Stephan Wissnet no baixo e vocal principal, além de Harr Rosenkind na bateria.

A mudança foi drástica e creio, se me permitem a licença poética em falar deste novo trabalho do Sahara, foi uma mudança para melhor. Do estranho e experimental “Subject ESQ.” tiveram um rock progressivo mais variado e versátil em “Sunrise”. Sem sombra de dúvida a entrada de Hering foi determinante para essa nova concepção sonora da banda, mas não podemos negligenciar a participação dos demais músicos e principalmente de Woodland que sairia do Gift com uma veia mais hard rock para uma prog rock genuíno.

"Sunrise" (1974)

Sem dúvida o nome da banda personificaria a aventura que esse novo álbum entregaria. Tecidos de teclados soberbos, sofisticação sonora, mas orgânico e poderoso, um progressivo clássico, mas virando, em dado momento, um jazz fusion e outras vezes um blues rock. “Sunrise” nasceria completo, robusto, intenso, maduro, versátil. O álbum foi lançado pelo modesto selo alemão Pan (Ariola), porém foi distribuído, no Reino Unido, pela gravadora Dawn, no início de 1974.

Mas todo esse início não era para falar dos primeiros álbuns dessa seminal banda germânica, mas para tecer generosos comentários acerca do seu terceiro trabalho, segundo com o nome de “Sahara”, o grandioso “For All the Clowns”, de 1975 que, por uma grata coincidência, completa, neste ano, 50 anos de lançamento.

Para manter uma espécie de rotina no Sahara as mudanças na formação aconteceram trazendo um novo guitarrista, Günther Moll, no lugar de Nicholas Woodland, que entraria na banda Desertland e outra também no posto de baterista saindo Harry Rosenkind e entrando Holger Brandt, que era da banda Missing Link.

Então a formação do Sahara para “For All the Clowns” trazia Moll na guitarra e vocal, Hennes Hering nos teclados, piano e sintetizadores, Michael Hofmann no moog, no sintetizador de cordas, guitarra, flauta e vocais, Stephan Wissnet no baixo, violão e vocais principais e Brandt na bateria e percussão. Na realidade Nick Woodland teria uma pequena participação, na faixa 2, “The source Part I & Part II”, tocando violão de 12 cordas, além de Meryl Creser na recitação na faixa 5, “The Mountain King Part I & II”.

“For All the Clowns” foi lançado em 1975 pelo também selo Pan (Ariola) e além das referidas mudanças na formação da banda, deixando apenas os remanescentes Hofmann, Wissnet e Pittwohn, mudanças em sua sonoridade são percebidas neste novo trabalho também, onde as vertentes jazzísticas, presentes no álbum anterior, “Sunrise”, desapareceriam, por completo, de “For All the Clowns”. 

Neste novo álbum teria a predominância do rock progressivo calcado no sinfônico, em uma concepção mais direta, mas não menos sofisticada e complexa. A versatilidade seria o mote deste trabalho e nisso se assemelha ao “Sunrise”. Concepção direta, porém, nem um pouco talhado para o mainstream.

Mas não se enganem, caros e estimados leitores, que as mudanças parariam por aí. Bastante importante para o Sahara, Hofmann não tocaria, neste álbum, saxofone, este instrumento seria abolido da sonoridade deste novo trabalho da banda, o que é perceptível no resultado final, nas músicas, mas dedicou-se aos sintetizadores, moog, guitarras e ainda a flauta. Pittwohn, além de ter as suas funções de músico, acumularia a de produtor e gerente do Sahara.  A capa de For All the Clowns” traria uma arte totalmente bizarra, mas com uma “tonalidade” bem humorística, mas que não adequa a tipicidade da música. Foi concebida por Kurt Halbritter. Mas o que importa é o conteúdo e este traz um álbum arrojado e fortemente calcado em um prog sinfônico muito bem executado.

O álbum é inaugurado pela faixa “Flying Dancer” que começa com o destaque vocal, que oferece novas e extensas passagens, mostrando um belíssimo alcance. A sua sonoridade é calcada no progressivo sinfônico trazendo inspirações britânicas, fugindo da rigidez lisérgica do experimentalismo germânico, o famoso krautrock.

"Flying Dancer" 

Segue com a música mais complexa, diria, do álbum: “The Source Part I & Part II”, onde a banda mergulha em uma atmosfera densa, estranha, experimental. É como se fôssemos transportados por uma galáxia distante e inimaginável, com o peso evidente do teclado. A faixa alterna entre passagens silenciosas e sombrias e momentos sombrios mais pesados. A guitarra não é estridente, mas dedilhada com esmero e dramaticidade. Tudo nesta música soa moderno e arrojado para a época.

"The Source Part I & Part II"

A faixa título, “For All the Clowns”, que tem duração de 11 minutos, começa meio Pink Floyd. O baixo toca discretamente, tons de sintetizador atmosféricos são colocados sobre ele e dão à música seu próprio toque, peculiar. Posteriormente sons limpos de guitarra se juntam e vão encorpando a música cada vez mais. A batida do ritmo é captada, mas logo se silencia novamente. As variâncias rítmicas corroboram a sua condição progressiva.

"For All the Clowns"

“Prélude” personifica o seu conceito e abre alas para outra grande e monumental faixa, “The Mountain King Part I & II”. Um riff de guitarra, altamente interessante, abre a música, com mais de 13 minutos de duração. A flauta é destaque nela, com toques suaves, doces, mas alternando momentos mais intensos e vívidos, trazendo à tona toques mais rústicos e pesados, ao estilo Ian Anderson, do grande Jethro Tull. Os cantos também interferem decisivamente, entrando no reino da improvisação típica. A seção rítmica dá o tom e se mostra decisiva e essencial para o balanço da faixa.

"The Mountain King Part I & Part II"

Segue com “Dream Queen” onde a flauta se mantém dominante, como na faixa anterior, juntamente com os vocais que, cativantes, começam suavemente, dando um parâmetro para as flautas dando a faixa leveza e um ar contemplativo. Fecha com “Fool the Fortune” que traz um arpejo de guitarra esplêndido, embora simples, porém bem executado. Segue nela também um tom pastoral com vocais suaves e cantos de pássaros.

"Dream Queen"

“For All the Clowns” certamente é o álbum ideal aos apreciadores de rock progressivo sinfônico, mas devido a sua versatilidade passa a ser uma audição interessante aos amantes de rock clássico e até mesmo, em alguns momentos, de hard rock.

É em “For All the Clows” que a banda mostra mais a sua habilidade mais claramente do que os seus antecessores, talvez pelo simples fato de ser mais versátil, acessível e, logo capaz de sensibilizar ouvidos variados e exigentes. A fusão entre progressivo sinfônico, rock clássico e hard rock funcionou plenamente neste derradeiro álbum do Sahara.

O Sahara, entre 1973 e 1975 tocou em profusão, se apresentando em vários shows e festivais, divulgando “Sunrise” e parte de seu segundo trabalho, “For All the Clowns”. Tocou no “Hamburg Rockfabrik” e no festival de rock em Lidau junto com os Scorpions, que na época, ainda com Uli Jon Roth na guitarra, entre outros, tentava conquistar seu lugar ao sol. Para o segundo álbum, a banda seguiria para uma extensa turnê pela Holanda.

Apesar das mudanças que se sucediam na banda, era perceptível que, sob o aspecto sonoro, crescia, ficava mais madura e tudo indicava que teria longeva vida, no final dos anos 1970, mais precisamente em 1977, Brandt e Moll sairiam do Sahara, decretando, diante disso, seu fim. Em 24 de julho de 1977 o Sahara faria seu último grande show no Theater der Jugend, em Munique. A precocidade bateu forte e impiedosa na história promissora da banda.

Mas a música é capaz de tudo! De fazer ressurgir o que há de melhor nela, nas suas mais variadas versões e situações. O Sahara, depois de um hiato de décadas e décadas, quase 30 anos depois, decide se reunir novamente, mais precisamente em 2 de agosto de 2006. A formação original estaria na ativa novamente! 40 anos após a fundação da banda, que ainda se chamava Subject ESQ,! Isso era significativo e histórico!

Sahara em 2013

O palco foi um show, ao ar livre, no Festival Bur-Herzberg, em julho de 2007. Outros palcos de destaque também receberiam o Sahara, como a apresentação no antigo Blow Up, atual Schauburg, em Munique, no mês de abril de 2008, além do show na Academia de Belas Artes de Munique, em fevereiro de 2009. Os shows foram acontecendo em períodos espaçados, até outubro de 2019, quando a banda decide, mais uma vez, se separar. O único relançamento que se tem notícia de “For All the Clowns” foi, em CD, pelo selo Ohrwaschl Records, em 1993.

A banda:

Günther Moll na guitarra e vocal

Hennes Hering no teclado, piano e sintetizadores

Michael Hofmann no Moog, guitarra, flauta e vocal

Stephan Wissnet no baixo, na guitarra acústica e vocal principal

Holger Brandt na bateria

 

Faixas:

1 - Flying Dancer

2 - The Source Part I & Part II

3 - For All the Clowns

4 - Prélude

5 - The mountain King Part I & II

6 - Dream Queen

7 - Fool the Fortune

 

"For All the Clowns" (1975)"