Purson - The Circle and the Blue Door (2013)

 

É muito difícil falar de rock progressivo e suas vertentes sem mencionar as grandes bandas do passado e que se consagraram graças aos seus álbuns seminais. São eternas e precisamos enaltecê-las sob todas as formas, afinal reverenciar para eternizar a sua música tão importante para a edificação da cena. Contudo, de uns anos para cá, estamos testemunhando o surgimento de novas propostas e cenas de prog rock nas suas mais diversificadas vertentes que precisam e merecem todo o apoio dos fãs. 

São bandas como essas que revigoram e traz uma reciclagem a essa rica música, o sentido da progressão é evidente com as bandas contemporâneas. Umas seguem a cartilha do passado sem soar datado, outras trazem novos elementos, mas respeitam e se resguardam com o passado glorioso e intocável das grandes bandas setentistas que amamos e que colocamos no pedestal de nossas predileções e necessidades sonoras.

O fato é que a nova cena da música progressiva seja aliado ao heavy rock, heavy metal, melódico, stoner rock, doom metal e outros gêneros precisa ser respeitada pela competência, originalidade e qualidade. Uma dessas bandas é o PURSON. Falo de seu debut chamado “The Circle and the Blue Door”, de 2013. O Purson nasceu na Inglaterra em 2011 e é impressionante o quanto a banda dialoga bem com o passado estética e claro sonoramente, mas sem esquecer que está no século XXI com as suas tendências.

Purson

Ao buscar as minhas fontes para a construção dessa resenha, observei que a banda recebeu, com este álbum, todas as honrarias, todos os reconhecimentos possíveis e imagináveis da crítica especializada e dos adoradores da boa música. Recebeu prêmios da Metal Hammer, como um dos melhores álbuns de metal daquele ano, caiu nas graças dos exigentes puristas apreciadores de sons já esquecidos do passado, o flerte entre o passado e o futuro não mensura cronologias, o tempo parece ser irrelevante quando se ouve “The Circle and the Blue Door”.

E de fato, essas são as minhas palavras ao ouvi-lo, é um primor de qualidade o que me surpreende pelo tempo e juventude dos seus músicos e da formação enquanto banda vejam como o tempo parece ser irrelevante quando a música é boa?

O Purson com o seu “The Circle and the Blue Door” apresenta um rock n’ roll muito bem pincelado com um psicodélico ácido, com uma melodia delicada, bem produzida, uma levada hard e heavy, beirando o doom e stoner em alguns momentos, um belo progressivo obscuro com uma atmosfera densa, mas que soa acessível, comercial, mas de qualidade, quase beirando um pop rock.

Mas antes de falar, faixa a faixa, do álbum “The Circle and the Blue Door” o Purson lançou alguns EPs, onde se destacam “Rocking Horse”, de 2012, “Learning On a Bear”, de 2013 e “The Contract/Blueprint Of The Dream”, de 2013. Graças a esses materiais, a essas prévias o Purson começou a fazer alguns shows em Londres, construindo alguma reputação e trazendo algum deleite aos puritanos do occult rock e também aos mais jovens que tiveram o seu primeiro contato com esse nicho do rock.

A formação da banda neste álbum era: Rosalie Cunningham no vocal e guitarra, George Hudson na guitarra, Samuel Shove no órgão e mellotron, Barnaby Maddick no baixo e Jack Hobbs na bateria. 

O álbum começa com “Wake Up Sleepy Head” com uma sonoridade hipnotizante, uma beleza sublime, com uma boa linha de baixo. The Contract” conta com muito peso e tem uma linha de doom bem interessante, as vezes psicodélica com destaque também para o baixo e uma levada meio cigana, diria, bem interessante.

"The Contract"

A faixa seguinte, “Spiderwood Farm”, conta com esses elementos de música cigana, com um excelente trabalho de percussão e passagens progressivas, mas com muito peso e alternâncias entre o suave e o peso.

“Sailor's Wife's Lament” tem uma pegada psicodélica, ácida. Na sequência temos “Learning on a Bear” com uma pegada hard rock setentista ao estilo Uriah Heep e Deep Purple em seus respectivos inícios.

"Learning on a Bear"

Já “Tempest and the Tide” é uma faixa lenta, acústica e bem sofisticada, com arranjos elaborados. Mas com “Mavericks and Mystics” a porradaria hard retorna. Segue com “Well Spoiled Machine” recheada de psicodelia e progressivo com riffs de guitarra ácidos e seco, com teclados viajantes.

Segue com “Well Spoiled Machine” recheada de psicodelia e progressivo com riffs de guitarra ácidos e seco, com teclados viajantes. “Sapphire Ward” segue a mesma proposta da faixa anterior com lisergia e muitas influências do fim da década de 60 para o início da de 1970.

“Rocking Horse” é uma faixa excelente com uma atmosfera densa e transcendental. E para fechar o álbum, temos uma das melhores faixas chamada “Tragic Catastrophe” com uma camada melancólica, belíssimos arranjos, ela é épica, progressiva, excelente.

"Tragic Catastrophe" live at Cambridge 2016

Tudo estava lá, com o lançamento de “The Circle and the Blue Door”: a sonoridade obscura, psicodélica, pesada, com temáticas ocultistas, o apelo estético da banda que te remete aos anos 1960, 1970. A banda que não plagiou, mas homenageou uma cena, que enalteceu abnegados músicos que pereceram pelo conservadorismo no rock e na indústria fonográfica. O Purson trouxe à luz a cena obscura e mostrou que ela está cada vez mais aquecida e forte.

O Purson lançou um novo trabalho chamado “Desire’s Magic Theatre”, em 2016. Mas em 2017 Rosalie Cunnigham anuncia o seu primeiro trabalho solo, chamado “Chocolate Money”, dando fim, consequentemente ao Purson no mesmo ano.

"Desire's Magic Theatre" (2016)

A esperança é um revival e que se reúnam novamente para alguns shows e quem sabe um novo trabalho. Bandas como o Purson merece sempre estar em evidência, na ativa, mesmo que não seja um som palatável no mainstream.

A banda:

Rosalie Cunningham no vocal, guitarra, orgão, mellotron, percussão

William Cunningham no saxofone

Ed Turner no baixo, guitarra e percussão

Raphael Mura na bateria

Faixas:

1 - Wake Up Sleepy Head

2 - The Contract

3 - Spiderwood Farm

4 - Sailor's Wife's Lament

5 - Leaning on a Bear

6 - Tempest and the Tide

7 - Mavericks and Mystics

8 - Well Spoiled Machine

9 - Sapphire Ward

10 - Rocking Horse

11 - Tragic Catastrophe

 

Purson - "The Circle and the Blue Door"

 

 

 

 

 

Duello Madre - Duello Madre (1973)

 

Seguindo nas entranhas do rock progressivo italiano, no lado obscuro da cena progressiva, esquecida e vilipendiada torna-se necessário, urgente dar luz as suas obscuridades, as bandas "empoeiradas", esquecidas no fundo do baú do rock n' roll, deixadas de lado pelos infortúnios mais variados. 

Torna-se vital tirá-las da hibernação do ostracismo, fazê-las renascer e mostrar todas as suas abundâncias sonoras, suas riquezas e assim tentarei fazer com uma banda que, ao ouvir, me fez voltar a um tempo em que não vivi tão prolífico de grandes bandas, grandes flertes musicais. Falo da banda DUELLO MADRE.

A banda foi formada na cidade de Gênova e os seus integrantes pertenciam a bandas, é claro, pouco conhecidas da cena progressiva italiana e contava com: Pippo Trentin, no saxofone e flauta, Marco Zoccheddu no violão elétrico e acústico, Bob Callero no baixo e Dede Lo Previte na bateria. O guitarrista Marco Zoccheddu foi da banda Nuova Idea e da banda de heavy metal Osage Tribe, Callero do Il Volo e também do Osage Tribe e Dede Lo Previte membro da Circus 2000 e Nova. Tratava-se de músicos relativamente experientes, rodados na cena progressiva que estava nascendo na Itália e com certa profusão e também da cena hard e heavy.

Duello Madre

Decidiram se juntar para um novo projeto, ousado e que era pouco corriqueiro e usual na Itália em termos de sonoridade, fazer jazz rock com grandes viagens improvisadas, verdadeiras jams sections, logo uma incrível permissão a criatividade sem amarras, livre de qualquer coisa que podasse o músico em seu momento sagrado: a de fazer música a seu bel prazer. E foi assim que o seu único álbum foi lançado, no ano de 1973, chamado simplesmente de “Duello Madre”.  

E foi exatamente com essa proposta que a banda se apegou e quando conceberam esse projeto, precisavam deixar para trás todas as coisas que os tinha inibido, desmantelando todas as estruturas musicais e humanas que se acumularam, inconscientemente ou não, em experiências anteriores com outras bandas.  

E realmente queriam fazer algo novo, haja vista que alguns músicos fizeram parte de bandas psicodélicas e até de heavy metal, o que, em tese, seria algo improvável, tocar para frente o projeto jazzístico do Duello Madre.

Quando se fala em desvencilhar, é pelo fato de que a antiga banda de Zoccheddu e Callero, o Osage Tribe, fazia um hard e heavy metal e o seu novo projeto, o Duello Madre, partiria para o jazz rock. Era uma guinada radical! 

Esse foi Duello Madre com seu álbum arrojado, revolucionário para a época em um país que, apesar das dificuldades vividas em um caldeirão político, respirava bons progressivos com bandas que nascia para a consagração. 

“Duello Madre” está calcado em um audacioso jazz rock que predominam faixas instrumentais com apenas uma cantada, tendo uma musicalidade incrível com seções rítmicas notáveis e passagens incríveis. As referências são de bandas como King Crimson, Soft Machine e até Zappa, levando em consideração lampejos de experimentalismo. 

O jazz rock do Duelo Madre foi marcado pela visceralidade, pela força de seu som, fugindo um pouco da sofisticação que estava se projetando, se configurando com bandas do naipe do Area e Arti & Mestieri, por exemplo. Uma sonoridade direta, tendo a sua base em guitarras distorcidas e um saxofone nervoso em um “duelo” extremamente salutar e revolucionário. 

Não há como negligenciar a importância dessa banda para o jazz rock italiano, mas com traços poderosos e arrojados e, talvez por conta disso, a banda ganhou o ostracismo, o esquecimento de sua história, por conta da incompreensão de sua música vanguardista, marginal.

Em um encarte dessas reedições do álbum há um relato, diria forte, de alguns membros da banda onde diziam que estavam “tentando escapar da decadência do panorama progressivo da Itália”. Talvez tenham exagerado, mas era a intenção, custe o que custasse, de fazer algo novo, que abalasse as estruturas da música progressiva do país da bota.

O álbum é inaugurado com “Aquile Blu”, com uma misteriosa introdução, um tanto quanto sombria, que explode com um sax poderoso, presente e uma “cozinha” forte, com linhas de baixo excelente e a bateria seguindo ritmicamente. Não podemos nos esquecer da seminal guitarra e o vocal. Música completa, um exemplo lindo de free jazz.

"Aquile Blu"

“Momento” segue como se fora uma continuação da música anterior, com destaque para a linha monstro de bateria. O sax e a guitarra trabalhando em conjunto é outra maravilha à parte, mas com destaque para o momento acústico, mais introspectivo, com belíssimas melodias com flautas e violões bem dedilhados, voltando ao ponto inicial com o sax e a guitarra trabalhando em sinergia.

"Momento"

“Otto” começa com o conjunto baixo e bateria em excelente evidência, uma bateria dançante com percussão seminal, baixo hipnótico, a unidade se faz presente nesta faixa, não desmerecendo o casamento sonoro entre guitarra e saxofone. Música menos agitada, mas forte em qualidade, com muita complexidade, porém orgânica.

"Otto"

“Madre” segue com estruturas musicais bem parecidas com relação a faixa anterior, com aquele jazz fusion típico e enérgico, irrompe com o saxofone e guitarra improvisada e depois segue calmo, viajante, agradável. Temos solos de guitarra, saxofone, uma suíte alegre com muitos improvisos, momento de criatividade única da banda.

"Madre"

Fecha com “Duello” que tem uma linha de baixo espetacular e uma bateria muito técnica e um sax estridente, intenso e tenso, em muitos momentos. Baixo e bateria seguem em frente, enquanto a guitarra tem espaço suficiente para ser virtuosa e o sax abençoando tudo freneticamente.

"Duello"

Um jazz rock com pitadas generosas de progressivo de muito respeito e que contou com a produção de um nome importante da época, de Gian Piero Reverberi, que trouxe ao trabalho uma versão totalmente brilhante e especial e que, além disso, participou tocando teclados em algumas poucas faixas, em alguns poucos momentos desse álbum. 

Outro ponto peculiar também foi o pouco uso de teclado, instrumento tão marcante naquele momento do rock italiano e também a ausência de vocal privilegiando um instrumental, tendo a guitarra, o baixo, a bateria e o sax se desdobrando em força e relevância para suprir a lacuna planejada, em sua maior parte, das teclas, tendo também a participação de Mario Lamberti na percussão. A banda durou apenas um ano, de 1973 a 1974.

“Duello Madre” foi lançado, em vinil, em 1973 pelo selo Produttori Associati e relançado em 2010 pela Vinyl Magic. Em CD foi lançado em 1993 pela Mellow e em 2008 pela Vinyl Magic. Altamente recomendado.

A banda:

Pippo Trentin na flauta e saxofone

Marco Zoccheddu na guitarra

Bob Callero no baixo

Dede Lo Previte na bateria

Com:

Mario Lamberti na percussão

Gian Piero Reverberi nos teclados

Faixas:

1 - Aquile Blu

2 - Momento

3 - Otto

4 - Madre

5 - Duello

Duello Madre - "Duello Madre" (1973)

 

 

 

Black Widow - Black Widow (1971)

 

Uma banda empoeirada, que vem diretamente das quenturas do inferno, mas não vou dizer que seja rara, mas sim esquecida, relegada ao ostracismo pelo massificado público que gosta do rock n’ roll!

Vilipendiada sim, mas importante por ter criado, juntamente com bandas do naipe de Alice Cooper e The Crazy World of Arthur Brown, do “horror rock”, do rock teatral, voltado para o caos, para a loucura do ocultismo, do satanismo. 

Uma das poucas bandas que conseguiu, com maestria, contracenar as suas músicas. Falo do BLACK WIDOW. Falo da banda que foi a primeira ou uma das primeiras a levar os rituais aos palcos em uma espécie de missa negra cênica que, simbioticamente, complementava a sua música, fazendo com que o teatro expressasse a realidade, a verdade de seu som.

Gostaria de falar do segundo álbum de estúdio do Black Widow, homônimo, de 1971. Depois de “Sacrifice”, de 1970, que praticamente inaugurou o progressivo obscuro, com levadas jazzísticas, e pitadas psicodélicas hipnóticas e envolventes e que falava das figuras demoníacas mitológicas, dos rituais sabáticos, temos em “Black Widow” uma sonoridade mais agressiva, mais hard rock, mais progressivo e temas apocalípticos, direcionando a banda a uma proposta um pouco diferente ou acintosamente mais diferente do que “Sacrifice”.

Temas apocalípticos, comportamento humano estavam todos sintetizados em sua música em “Black Widow”, mas os temas ocultos foram minimizados, quase reduzidos. A razão não se saberá ao certo, talvez para atingir novos públicos ou uma simples mudança de curso da banda, mas o fato que tal mudança não deu certo, não teve sucesso sob o aspecto comercial da coisa. Mas não impactou no quesito criativo. O segundo álbum do Black Widow, mostrou uma banda versátil e competente que flertou com uma música mais pesada, um hard rock ainda embrionário no início dos anos 1970 que também ajudou a construir o prog rock mais evidente em seu trabalho anterior, o genial “Sacrifice”.

Mas antes de entrarmos no universo do álbum em questão torna-se mais do que conveniente retroagir no tempo e falar dos primórdios do Black Widow que ajudará a entender um pouco da construção de sua curta, mas significativa carreira discográfica.

O Black Widow foi formado em 1969 na cidade de Leicester, na Inglaterra, em setembro. A banda se tornou conhecida pelas suas apresentações teatrais e sempre foi associada, em um contexto de coadjuvante, com o seu vizinho de Birmingham, o Black Sabbath, mas eram apenas algumas semelhanças, como o teor das letras de terror e satânicas, mas as semelhanças terminavam aí, sendo uma mais multifacetada sonoramente falando e a outra majoritariamente mais pesada e agressiva e, é claro, a popularidade.

Porém a banda foi originalmente formada em 1966 com o nome Pesky Gee! com Kay Garrett (vocais), Kip Trevor (vocais, guitarra e gaita), Chris Dredge (guitarra), Bob Bond (baixo), Clive Box (bateria e piano), Gerry "Zoot" Taylor (órgão), Clive Jones (também conhecido como Clive Beer-Jones; saxofone e flauta).

Pesky Gee! "Exclamation Mark" (1969)

Jim Gannon (guitarra e vocal) substituiu Dredge na primavera de 1969. A banda se separou em setembro de 1969. A banda lançou um álbum pela Pye Records como “Pesky Gee!, Exclamation Mark”, ainda em 1969, antes de Garrett deixar a banda. Os membros restantes continuaram como Black Widow e lançaram seu álbum de estreia, “Sacrifice”, em 1970.

Essas mudanças na formação também foram cruciais e constantes em 1971 saindo o baixista Bob Bond e entrando Geoff Griffith e a entrada do baterista Romeo Challenger no lugar de Clive Box, lançando o autointitulado álbum naquela nova década e nova também foi a proposta sonora deste trabalho do Black Widow. E essas mudanças na formação do Black Widow foram determinantes para dar o peso a sonoridade da banda, marca registrada deste álbum.

A formação do Black Widow que foi responsável pelo nascimento de “Black Widow” tinha Kip Trevor vocais principais, harmonias e maracas, Jim Gannon nos vocais, na guitarra principal e guitarra acústica, Zoot Taylor no órgão e piano, Clive Jones no sax e flauta, Geoff Griffith nos vocais e baixo e Romeo Challenger na bateria.

E o álbum abre com “Tears and Wine” que é um verdadeiro pé na porta, bateria pesada com o sax dançante, insinuante de Clive Jones e uma camada discreta, mas substancial dos teclados que varia entre peso e um vocal melodioso, quase delicado que, entre riffs de guitarra e bateria arrasa quarteirão, mostra o quão versátil é o álbum personificado nesta inaugural faixa.

"Tears and Wine"

“The Gypsy” começa meio folk com dedilhados de violão e contrasta gritantemente com a faixa anterior. Em alguns momentos temos uma pegada mais rasgada com riffs e solos de guitarra capitaneando tal momento, mas voltando ao violão e flauta dando um tom mais “tranquilo” e tendendo, além do folk, para o prog rock de “Sacrifice”.

“Bridge Passage” dá abertura para a “When my Mind Was Young” com uma linha mais comercial, diria radiofônica remetendo aos anos sessenta tendo como referência bandas como Beatles, algo meio gospel também, uma viagem meio progressiva como Pink Floyd com solos de guitarra mais elaborados, em determinados momentos, à lá David Gilmour.

"When my Mind Was Young"

“The Journey” traz de volta o peso, algo talvez cadenciado, mas com a força da bateria marcada e pesada com os riffs de guitarra e os teclados executados de forma visceral. E esse cadenciado me lembra de um pouco do blues rock, uma faixa extremamente multifacetada, rica, de várias texturas, a banda talvez em seu apogeu criativo neste álbum pode ser sintetizado nesta música sem dúvida uma das melhores deste álbum.

"The Journey"

“Poser” segue na mesma toada, uma levada meio bluesy mesclado ao peso do hard rock e, mais uma vez, a bateria e a guitarra travam um salutar desafio, com o vocal bem executado divinamente despretensioso.

E eis que surge uma das melhores do álbum: “Mary Clark”! Para a introdução nos reserva uma levada meio jazzística, o vocal domina as atenções com destaque para alguma introspecção que às vezes irrompe a explosão de seu alcance que vai às alturas e nessa miscelânea toda ainda temos o peso genuíno que dar razão de ser a esse trabalho do Black Widow.

"Mary Clark"

“Wait Until Tomorrow’ é o exemplo perfeito do hardão setentista, bateria quebrando tudo, riffs raivosos de guitarra, vocal meio arrastado e uma camada soberba dos instrumentos de sopro de Clive Jones que entrega mais sofisticação à música”. O que dizer do saxofone envolvente e solar deste gênio multi-instrumentista?

“An Afterthought” vem à tona novamente o folk com o progressivo, uma música curta, mas que trouxe um Black Widow mais contemplativo e fecha com “Legend of Creation”, uma verdadeira epopeia, uma faixa totalmente progressiva capitaneada pelo sax de Jones, que entrega uma sonoridade mais sofisticada e complexa.

E a turnê de promoção de “Black Widow” se deu, porém quase não há registros da banda disponível pela grande rede, além do excelente “Demons of The Night Gather To See Black Widow”, de 1970, que foi gravado para uma TV alemã e cujo set list foi construído com as faixas de “Sacrifice”, há um raríssimo show, de 1971, que cobre a turnê do segundo álbum e conta com uma mescla de músicas dos dois primeiros álbuns de estúdio do Black Widow. Esse show foi realizado na Itália, mais precisamente em Milão, no Teatro Lírico, além de outros dois shows em Roma e Arezzo com as bandas que estavam surgindo à época e que já gozavam de alguma reputação como o Yes e Premiata Forneria Marconi, as bandas da casa.

Porém o único show documentado foi em Milão, tendo versões arrebatadoras como a faixa “Sacrifice” com mais de 13 minutos de duração e a inédita “Wish You Woild” que fora lançada como single em 1971. Infelizmente a qualidade da gravação é bem precária, mas capta a banda em seu ápice, poderosa e visceral tocando clássicos obscuros de seus primeiros dois álbuns de estúdio.

Black Widow - "Live at Milano", 1971

Se o álbum não atingiu êxito comercial que a banda esperava e ansiava depois da repercussão de “Sacrifice” e seus temas obscuros e ocultistas que alguns setores da sociedade conservadora abominavam por não entender as diversas formas e manifestações da arte, inclusive a própria indústria fonográfica, conseguiu no aspecto criativo, pois mesmo depois de algumas mudanças significativas na formação da banda, o que gera incertezas, acarretara em um momento de grande virada na sua história discográfica culminando com o talve melhor álbum da banda, o seu terceiro álbum, intitulado apenas como “III”. Grande álbum, grande banda, que merece todo reconhecimento por seu protagonismo na história do occult rock, do dark progressive.

A banda:

 Kip Trevor nos vocais, maracas

Jim Gannon na guitarra

Zoot Taylor no órgão Hammond e piano

Clive Jones na flauta e saxofone

Geoff Griffith no baixo e vocal

Romeo Challenger na bateria

Faixas:

1- Tears and Wine

2- The Gypsy

3- Bridge Passage

4- When My Mind Was Young

5- The journey

6- Poser

7- Mary Clark

8- Wait Until Tomorrow

9- An Afterthought

10- Legend of Creation 

 

 

Electric Sandwich - Electric Sandwich (1972)

 

Eu confesso que não sei dizer como e por quais caminhos a gente garimpa algumas bandas. Não tenho também um método. Sigo a pesquisar pela grande rede alguma banda que me excite no aspecto primordial da imagem. Uma capa interessante, chamativa, apelativa, tenebrosa (gosto disso), um nome instigante, um país, um subgênero em especial etc. Enfim não há um padrão, uma metodologia de pesquisa de bandas e, convenhamos, o material é infindável de bandas velhas novas para o grande público, sobretudo, claro, as obscuras, as undergrounds.

Quando estava em minha “caça” por algo que me cativasse, que me chamasse a atenção parei em uma com um nome no mínimo inusitado. Achei que fosse alguma sátira, paródia, algo pastelão, sem muita credibilidade, por um instante decidi sequer acessar o link que te encaminhava à audição do álbum, mas que se dane, estava em um tédio tremendo no dia que qualquer bobagem seria o evento do ano. Acessei o link e comecei a ouvir o álbum! Uau! Mas era simplesmente arrebatador! Uma loucura sonora! Aquilo me cativara desde os primeiros segundos, os primeiros acordes!

Eu estava totalmente envolvido naquele som! Embora não fosse algo revolucionário, era envolvente, lisérgico, tenso, pesado, contemplativo, ao mesmo tempo. Coisas que só a Alemanha nos tempos do velho Krautrock poderia proporcionar.

Como eu poderia esperar algo de bom em uma banda chamada ELECTRIC SANDWICH? Ah meus bons amigos leitores e amantes do velho rock n’ roll, não se enganem com nomes imponentes e capas bonitinhas, não julguem o livro pela capa e pelo nome. Essa banda senhores é avassaladora e deixa a sua mente louca e revirada!

A julgar pela capa! Mas o que significa isso? Seria literal esse nome? Pelo que pude entender, captar é um sanduíche eletrificado, mas será que é isso mesmo a mensagem a ser transmitida? É como fica o seu cérebro quando ouve essa germânica banda: com ele revirado, agitado, desorientado! É o que a banda procurou transmitir em seu único álbum lançado em 1972, homônimo.

Mas antes de disseca-lo, vamos aos primórdios do Electric Sandwich. A banda foi formada em 1969 na cidade de Bonn, por quatro estudantes dessa cidade, jovens e que aspiravam ganhar o mundo com a sua música. Todos já gozavam de alguma experiência tocando em outras bandas locais pouquíssimos conhecidas. O baixista Klaus Lormann tocava com "Chaotic Trust”, o guitarrista Jorg Ohlert tocava no "Slaves of Fire"; o baterista Wolf Fabian, o fundador da banda, estava em turnê com uma banda chamada "Muli and the Misfits", e o vocalista Jochen "Archie" Carthaus cantou com os "Flashbacks".

Electric Sandwich

A cena Krautrock, a base do rock alemão estava apenas iniciando os seus passos no final da década de 1960, mas quando surgiu o famoso selo alternativo Brain em 1971, uma subsidiária da Metronome, algumas incertezas que permeavam as vidas das bandas, no que tange ao seu futuro, poderia ter uma norte, uma sequência. A Brain tinha como objetivo promover, patrocinar as bandas novas e vanguardistas que estavam surgindo naquela época e o Electric Sandwich estava no caminho dos executivos da Brain.

E foi o gerente de produto da Brain, Gunther Korber, que descobriu o Electric Sandwich em um festival de talentos de âmbito nacional organizado pela revista alemã e guia de TV "Hor Zu", que aconteceu em Niedersachsenhalle, em Hannover. Mas a banda não conseguiu chegar às finais do concurso e mesmo sem ter ensaiado eles encararam o festival, convencendo os organizadores e abocanhou o segundo lugar.

Naquela mesma noite, Ohlert, Fabian, Lormann e Carthaus assinaram um contrato com o Brain para uma sessão de gravação experimental. E foi com essa proposta que esses quatro jovens se reuniram: deixar de tocar covers e fazer algo próprio, deles e coisas arrojadas: tocar despretensiosamente, se deixar levar pela música, sem padrões ou estereótipos.

O pessoal da Brain e Metronome estava tão excitados com o som do Electric Sandwich que em 1972 a banda finalmente assinou contrato com Rudolf Slezak Musikverlag, de Hamburgo (que detinha os direitos das músicas de Jane e Epitaph, por exemplo), seguindo para o Dieter Dirks-Studio em Stommeln para gravar seu primeiro álbum com sete faixas.

Faixas essas compostas pelo mais puro heavy rock, hard rock e psicodélico e prog rock com pitadas generosas de jazz rock e blues rock. Percebeu a miscelânea sonora e o motivo pelo qual eu disse que esse álbum é arrebatador?

O álbum é inaugurado com a faixa “China” com aquele solo meio psych, meio pesicodélico sessentista com uma batida discreta e obscura, algo meio introspectivo e arrastado e explode com riffs de guitarra o estilo hardão setentista e órgão barulhento e, ao longo do tempo vai ficando mais visceral, intenso e no fundo vêm as congas, com em uma viagem latina, entrelaçado com uma guitarra dissonante e perigosamente pesada. Um primor!

“Devil's Dream” me parece algo mais “comportadinho”, convencional, mas o que se destaca é o vocal, imperioso, com uma atmosfera densa e ameaçadora, sendo muito bem executado. Mas aí vem o saxofone, que torna tudo mais dançante e lisérgico, traz um pouco da loucura sonora dos primórdios do krautrock e fecha com uma levada meio bluesy.

Electric Sandwich - "Devil's Dream" live

Segue com “Nervous Creek” que tem uma história por trás e fala de um rio que deságua no mar, trata da vida de um simples morador da cidade. Esse era um canal de comunicação que os caras da banda tinham com o seu público, o viés intelectual para atrair aquele público que minimamente entende inglês, compreenda a mensagem. Ela traz um riff bem dançante, bem motown, mas desbanca em um peso visceral de hard rock com alguma velocidade que faria qualquer banda de heavy metal dos anos oitenta pirar! Vocal gritado, alto, todos os ingredientes de um proto metal e vai alternando com a calmaria de um dedilhar de guitarra e assim a música segue o seu curso.

Electric Sandwich - "Nervous Creek"

“It's No Use to Run” tem uma vibe meio commercial, algo sessentista, das bandas britânicas, com um riff simples dando a camada principal, entrando uma gaita para corroborar a influência. 

“I Want You” começa ao estilo baladinha com um riff meloso, delicado até, um vocal sussurrado, fechado, mas logo vai ganhando corpo com instrumentos de sopro ganhando protagonismo e logo vai ficando alto e mais alto e logo se constrói um som mais pesado e depois volta a balada e assim permanece até o seu final. Excelente!

Em “Archie's Blues” o som que impera o blues rock! O vocal assume um tom dramático, gritado, o alcance vai à estratosfera, o blues se mescla ao lisérgico do krautrock e se torna experimental e único. Não há a sofisticação, mas o arrojo de algo diferente e atípico. Excepcional!

“Material Darkness” a pegada kraut paira com o saxofone e a viagem psicodélica e progressiva dá o tom, o vocal contemplativo ganha espaço, um som mais complexo e sofisticado se revela nessa belíssima faixa, que conta ainda com algumas “pitadas” de jazz rock.

E para fechar com chave de ouro temos a “On My Mind” que assume um caráter “arroz de festa”, um som mais solar mais ainda calcada no psicodelismo dos anos sessenta, aspirando a algo mais voltado para o hard rock.

Após o lançamento do “Electric Sandwich” a banda saiu em turnê pela Alemanha. Apresentou-se em programas de rádio, gravou apresentações para programas de televisão, enfim estavam trabalhando, dentro do possível, a divulgação do seu novo trabalho e ganhando alguma experiência ao vivo. Ralf Kroczek, organista e líder do coro da faculdade de música de Colônia, entrou na banda e abriu shows do Uriah Heep, inclusive. Seria o ápice?

No final de 1973 começou a trabalhar em seu álbum seguinte, mas disputas internas impediram que o segundo álbum fosse concluído. Jorg Ohlert queria que a banda se tornasse mais voltada para o jazz e Wolf Fabian queria algo mais focado na bateria e o seu desejo de terminar seus vários cursos voltados para a música motivou o precoce fim da banda.

Atualmente o baterista Wolf Fabian dirige uma empresa e um estúdio de gravação em Bonn e trabalha como professor. Jochen Carthaus tem uma fazenda na Eiffel onde cria cavalos. O baixista Klaus Lormann é um oficial do governo em Colônia, o guitarrista Jorg Ohlert é um consultor sênior que mora perto do Lago de Constança e o organista Ralf Kroczek ainda trabalha como professor de música. Mas para a nossa alegria a banda retornou aos palcos e canta e encanta a novas gerações com a sua música forte e atemporal.

A banda:

Jörg Ohlert naa guitarra, orgão e teclados

Klaus Lormann no baixo

Jochen Carthaus no saxophone e harmônica

Wolf Fabian na bacteria

Faixas:

1 - China

2 - Devil's Dream

3 - Nervous Creek

4 - It's No Use to Run

5 - I Want You 

6 - Archie's Blues

7 - Material Darkness

8 - On My Mind