Carpe Diem - En Regardant Passer Le Temps (1976)

 

Tem certos momentos na vida que nos abraçamos a certas zonas de conforto e lá residimos de forma tão passional que esquecemos que a vida pode nos oferecer tantas coisas boas, consistentes para o nosso crescimento, para o nosso desenvolvimento pessoal. Não! Não meus queridos amigos leitores não se assustem com essas filosofias baratas! Há uma razão de dizer isso. E qual é?

Indo para a realidade do rock n’ roll e contextualizando a questão da temível e sedutora zona de conforto aliado a nossa tão amada música é ouvir, se dedicar àquelas bandas do eixo Inglaterra e Estados Unidos ou, quando falamos especificamente do rock progressivo, flertamos sempre com a Alemanha e a Itália ou ainda ouvir os medalhões sempre!

Não faço críticas a essas posturas e decisões! Claro que não há como resistir aos sons progressivos que vem da Alemanha, da Itália, do rock n’ roll que estronda nos Estados Unidos e Inglaterra, mas quando eu criei esse blog, esse humilde blog foi, basicamente, para fomentar o meu ávido interesse pelas bandas obscuras, pouco conhecidas, que não tiveram êxito comercial e, além das audições, aliar também a história que são extremamente ricas.

E assim, três anos depois de criado o blog, eu vejo que está surtindo efeito e percebo que o universo do rock é vasto e ilimitado e tem muito, muito a se explorar, a se garimpar. O rock, com suas bandas obscuras, sempre, diria isso, esteve rondando os meus pensamentos e fones de ouvido, e agora com a materialização do blog, explode em profusão de bandas.

E diante disso e fugindo um pouco, pelo menos um pouquinho, da Itália e Alemanha progressiva, do hard rock e psicodélico britânico e norte americano e vamos desembarcar na França. A França que tem sim um belo arsenal de bandas de rock n’ roll, sobretudo de bandas progressivas produzidas na década de 1970 e algumas até com certa credibilidade e popularidade como Ange, por exemplo.

Mas me foi apresentado, há algum tempo atrás, a primeira banda francesa de rock progressivo por alguns amigos tão amantes do estilo quanto eu em uma dessas reuniões despretensiosas regadas a música e muita cerveja: Essa banda se chama Pulsar. Quando ouvi, lembro-me de ter dito, com ênfase: Nossa, que bom que existe prog rock de qualidade em outros lugares do mundo! Foi arrebatador e digo que toda a sua discografia, não muito extensa, é maravilhosa e recomendo o álbum “Halloween” que escrevi uma resenha que pode ser lida aqui.

Porém não é do Pulsar que quero falar, mas sim de outra banda que descobri em meus garimpos pelas redes sociais, falo agora do CARPE DIEM. Pois é meus amigos leitores, o nome já induz a coisa boa! Carpe Diem, em latim, significa “Aproveite o dia”! E vos digo que há muito a se aproveitar com o Carpe Diem.

Carpe Diem

Não me recordo ao certo como a descobri, ou melhor, em que situação a descobri. Talvez tenha sido nas minhas garimpagens pela grande rede, ou recomendações, o fato, o mais importante é que quando a ouvi o mundo, por um instante, parou em referência ao som do Carpe Diem, a vida e o seu cotidiano para reverenciar esse som tão especial produzido por essa banda.

Mas antes de ir para as apresentações do álbum que será destrinchado, vamos contar uma breve história dos primórdios do Carpe Diem na França. A banda foi formada na Riviera, mas precisamente na bela cidade de Nice, no ano de 1969, pelo tecladista e vocalista Christian Truchi com os seus amigos de infância Claude Méchard e Roger Farhi. A banda era conhecida como "Deis Corpus".

Após alguns shows na região de Nice, a formação da banda foi recomposta em 1970 com novos músicos como Gilbert Abbenanti, na guitarra, Alain Berge no baixo. A banda, nesse período, passa a se chamar “Carpe Diem”.

Como Carpe Diem em uma nova concepção e formação a banda passa a tocar em vários clubes, como Golf Drouot e gibus, por exemplo, muito conhecidos à época, entre vários outros, construindo uma cena francesa de rock progressivo e, nesses shows, passou a apresentar suas próprias composições, tendo em Truchi o seu principal letrista.

O ano era 1974! A banda dedica-se a criação de suas próprias músicas e, com isso, novas mudanças acontecem com a entrada de dois novos músicos à banda: Alain Faraut, na bateria e Marius David, no saxofone e flauta.

Ao lado de bandas como Ange, Pulsar, Mona Lisa, Shylok entre outras foram notáveis na construção da cena progressiva francesa, sendo, entre elas, a menos conhecida, mas não menos importante no que tange a referência no estilo praticado naquele país. O Carpe Diem absorveu um pouco do prog rock que era praticado na Itália e Inglaterra, por exemplo, praticando um belíssimo e arrojado progressivo sinfônico com atmosferas jazzísticas e de space rock.

Apesar de não trazer grandes inovações na história desse segmento musical o Carpe Diem trouxe algo muito interessante que é a junção desses estilos que ajudaram a construir o rock progressivo, fazendo com maestria, com extrema competência, conectando todas essas peças musicais sem soar algo perdido, algo solto. Uma conexão incrível, com consistência, com substância e melhor: com robustez, com força, intensidade, mas, ao mesmo tempo contemplativo, viajante e por vezes soturno.

Definitivamente a música do Carpe Diem é diversificada, versátil e que, sim, pode atingir a todos os ouvidos e corações que aprecia todos os estilos, dentro do universo do rock, que vai do prog ao jazz fusion, ao space rock.

E são essas percepções que são sentidas, pelo menos para mim, no seu debut, o excelente “En Regardant Passer le Temps”, de 1976. Depois de muito tempo na ativa a banda lançaria seu primeiro trabalho oficialmente pelo pequeno selo “Arcane (WEA)”. 

Essa é a realidade de muitas bandas que não tem o apoio da indústria fonográfica e que, infelizmente não é “favorecida” pela geografia, porque simplesmente não está no eixo Inglaterra/Estados Unidos e ainda toca rock progressivo sem amarras com a música pasteurizada.

Embora se perceba em “En Regardant Passer le Temps” a presença de sons de bandas clássicas antigas como Camel, como Pink Floyd, Hawkwind e os progressivos sinfônicos das bandas italianas, percebe-se também, como disse, a junção dessas vertentes em uma massa densa, poderosa e de muita personalidade. É muito intricado, é muito complexo e construída de uma forma muito emocional, algo orgânico, vivo, pleno. É complexo, mas não é mecanizado e indulgente, isso nunca! 

As partes mais suaves desse trabalho do Carpe Diem seguem a veia mais sinfônica, tendo os teclados, o melloton, as guitarras acústicas e as flautas como protagonistas, mas também o teclado, os sintetizadores entregam a atmosfera mais voltada para a música espacial, o space rock, com a bateria e a guitarra dando o tom mais intenso, energético caracterizado pelo jazz fusion, pelo jazz rock.

A banda abusa dos instrumentos de sopro: saxofone, flauta, são os principais e isso faz com que a veia jazzística e sinfônica da banda sobressaia. Chego a conclusão de que o Carpe Diem não pode ser categorizada a um estilo, difícil ser rotulada, o que talvez em uma primeira audição venha a agradar aos que gostam dos diversos estilos que flertam, direta ou indiretamente, com o rock progressivo.

O Carpe Diem, na época do lançamento do excelente “En Regardant Passer le Temps”, era formada por Christian Truchi (teclado e vocal), Gilbert Abbenanti (guitarra), Alain Berge (baixo), Alain Faraut (bateria) e Marius David (flauta, sax soprano e percussão).

O álbum é inaugurado com a “Voyage du Non-Retour” que começa com um tiro curto, com quase e apenas quatro minutos de duração, mas que revela a beleza e diversidade sonora do Carpe Diem, com uma levada jazz rock de excelente qualidade, que vai ganhando expansão revelando um progressivo sinfônico.

"Voyage du Non-Retour"

Mas é na faixa “Réincarnation” que a banda mostra, em profusão, a essência de sua proposta sonora. Flautas viajantes, progressivo sinfônico e um rock espacial faz dessa música uma epopeia progressiva e jazzística.

"Réincarnation"

“Jeux du Siecle” lembra mais um som clássico de que propriamente de jazz fusion e sinfônico, muita rica em harmonia e com predominância do saxofone. 

"Jeux du Siecle"

E fecha o álbum a música “Publiphobie” é outra bela faixa que tem aquele híbrido, marca registrada da banda, entre sinfônico e jazz rock e cujo sax lembra e muito Van Der Graaf Generator, uma música bem animada e enérgica.

"Publiphobie"

Carpe Diem, com seu primeiro álbum, nos revela uma banda muito competente, diversificada sonoramente falando, de melodia e instrumental rico, com uma execução sólida e composições interessantes que se encaixam perfeitamente ao som produzido. 

Se você aprecia um rock progressivo sinfônico com uma riqueza instrumental intricada e complexa, mas com uma versatilidade conduzida por jazz rock, space rock e afins, encontrará em “En Regardant Passer le Temps” o destino certo para grandes audições.

E falando em grandes trabalhos e audições o Carpe Diem, no mesmo ano, em 1976, lançaria o seu segundo trabalho de estúdio chamado “Cueille Le Jour”, pelo selo "Crypto/RCA", que, para muitos, é um álbum mais bem acabado da banda em relação ao seu debut. 

Talvez seja verdade, mas o fato é que o primeiro traz a novidade de uma banda que ousou em unir os estilos mais proeminentes que construíra a estrutura, responsáveis pelo pavimento do rock progressivo, o fazendo com energia, contemplação, intimismo e um pleno desenvolvimento musical.

"Cueille Le Jour" (1976)

Em 1977 a banda tem, mais uma vez, novas mudanças na sua formação, com a entrada de Georges Ferrero, no baixo e Gérald Macia, na guitarra e violino e em 1978 se reúnem para a gravação do seu terceiro álbum de estúdio, mas a ausência de apoio e de distribuição, de um trabalho mais intensivo de divulgação da banda, o Carpe Diem se separou em 1979, mesmo com cerca de 400 shows realizados!

“En Regardant Passer le Temps” teve alguns relançamentos em 1977, por outro selo francês, “Crypto”, outro canadense, “Sterling”, também em 1977 e em 1994, foi relançado pelo selo “Musea”, pela primeira vez no formato CD e pelo selo “Belle Antique” em 2007. Com esses relançamentos felizmente há uma luz ao rock obscuro, sobretudo para o grande Carpe Diem que merecia um pouco mais de visibilidade, sobretudo pela banda e pela obra que tem.

Porém a persistência e o amor pela música desses caras fizeram com que, quase quarenta anos depois, a banda retornasse aos palcos, graças a iniciativa do tecladista e vocalista Christian Truchi em 2015, lançando, no mesmo ano, o seu terceiro álbum chamado “Circonvolutions”.

"Circonvolutions" (2015)

Carpe Diem atualmente

E a torcida fica para que o Carpe Diem venha a lançar mais e mais álbuns para que se perpetue na história do rock progressivo mundial como uma grande banda que é. Altamente recomendado!

Agradeço pelo grande tecladista, vocalista e compositor Christian Truchi que, quando mandei o texto sobre o "En Regardant Passer Le Temps" para a página do Carpe Diem no Facebook, me respondeu carinhosamente desejando um lindo futuro a página "Luz ao Rock Obscuro", fazendo também algumas correções históricas e me mandando detalhes fantásticos dos primórdios da banda que, claro, inseri em meu humilde texto, para incrementá-lo.

Ouso dizer que nenhum texto ou resenha sobre a banda produzida no Brasil e quiçá no mundo tenha tamanhas e relevantes informações sobre o Carpe Diem! 

Obrigado Mousieur Truchi pelo carinho, por ter lido e enviado detalhes da biografia do grande Carpe Diem. E obrigado, sobretudo, por criar essa grande banda progressiva para nosso deleite sonoro, para deleite da nossa alma. Merci!

A banda:

Gilbert Abbenanti na guitarra

Christian Trucchi nos teclados e vocais

Claude-Marius David na flauta, saxophone e percussão

Alain Bergé no baixo

Alain Faraut na bateria e percussão

Faixas:

1 - Voyage du non-retour

2 - Reincarnation

3 - Jeux du siècle

4 - Publiophobie

Carpe Diem - "En Regardant Passer Le Temps" (1976)

 

 

 

 

 

Ruphus - Ranshart (1974)

 

Tenho uma queda evidente e escancarada pelas bandas nórdicas! E falo de forma gritante, sou um réu confesso nesse sentido! Tem-se uma profusão de bandas e estilos totalmente arrojados, não tenha dúvida de que há vertentes do rock n’ roll para todos os gostos.

E especialmente falando da Noruega nós temos uma quantidade imensa de bandas que facilmente cai no gosto de muitos a começar, como exemplos, Aunt Mary, Titanic, Lucifer Was, uma das minhas preferidas, mas não podemos negligenciar a história de outra banda que, embora não seja tão obscura, merece figurar entre as grandes bandas pouco conhecidas, cuja sonoridade não é tão popular. Falo do RUPHUS.

Do frio dos Nórdicos vem o som quente e intenso de uma das bandas tidas como pioneira do hard rock, mas que, ao longo de sua trajetória discográfica, foi revendo, remodelando os seus conceitos sonoros e seguindo a sua história ao longo dos anos 1970.

O Ruphus foi fundado em 1970 na cidade de Oslo a partir de um grupo de amigos e é, como disse, tido como um dos precursores do heavy prog na Noruega, surgindo como uma das principais bandas de uma cena, naquela época, não tão grande, mas significativa e que praticamente desprezada pela indústria fonográfica. Mas a formação que se juntou em 1972 é que de fato se solidificou quando Kjell Larsen e Asle Nilsen se conheceram.

Ruphus

Mas mesmo com a pouca visibilidade seguiu forte, bem como as bandas contemporâneas sendo privilegiada por um abnegado público e também por poucos empresários perseverantes que, com toda a dificuldade possível e imaginável, promovia alguns festivais de pequena estrutura em algumas cidades norueguesas, dando a oportunidade a bandas como o Ruphus a seguirem com seus objetivos de levar, ao número máximo de pessoas possíveis, a sua música e arte.

A Noruega definitivamente não estava na rota do rock na década de 1970. Bandas como a Ruphus foram desbravadoras naquele país e simplesmente por este fator, já tem o seu nome na história do rock norueguês.

Mas finalmente, após a sua efetiva formação, em 1972, o Ruphus gravaria, pelo selo “Polydor”, uma gravadora de nome, o seu primeiro álbum chamado “New Born Day”, em 1973, considerado por muitos e, confesso que por mim também, como um dos mais bem-sucedidos da banda em sua pequena, porém importante discografia.

“New Born Day” contou com uma dupla de vocalis femininos e masculinos e fazia uma interessante e avassaladora fusão de hard rock, classic rock e rock progressivo. Combinação essa que acarretou em uma harmonização sofistica, agressiva e intensa, muito intensa. Essa ambientação hard, heavy e prog trouxe ao álbum muita versatilidade e complexidade sonora.

"New Born Day" (1973)"

Mas o destaque fica mesmo para a vocalista Gudny Aspaas com seu grande alcance e talento, um misto de hard rock com tendências heavy de vanguarda que rendeu alguma visibilidade para a banda, porém não obteve sucesso comercial.

Mas, subvertendo o óbvio, não irei falar, em requintes de detalhes, de “New Born Day”, mas do seu sucessor. De um álbum que foi um divisor de águas na história da banda, da curta carreira discográfica do Ruphus. Falarei de “Ranshart”, de 1974.

E essa guinada se deu, claro, na estrutura sonora da banda. E foi, penso, radical! O que era antes um som calcado no hard rock setentista, com viés progressivo e de classic rock, em “Ranshart” o Ruphus se revelou uma banda exclusivamente de rock progressivo com temperos sinfônicos lembrando a cena prog britânica, por exemplo.

E além de ter um grande apreço por este trabalho do Ruphus, a ponto de resenha-lo, terei a árdua missão de defende-lo. Por que defender? Simples! A banda, depois de seu bem-sucedido debut e com a mudança evidente em “Ranshart”, gerou certa rejeição entre os fãs mais puristas e viúvos de “New Born Day” e também dos especialistas que, entre outros comentários, lê-se que no segundo álbum a banda perdeu a identidade, perdeu a força etc.

Mas como perdeu a identidade se o Ruphus, já no primeiro trabalho, já denota predileção pelo prog rock? É notória tais nuances na sua música em “New Born Day”, mesclado, claro, com o hard rock! Como também é notório, admitamos, a drástica mudança.

Se observa, mesmo com a mudança, uma qualidade na sua sonoridade, algo novo e com substância, consistência. E essa nova configuração em seu som se materializa na sua nova formação que também sofreu um forte impacto.

E com esse impacto, logo de cara, atingiu os dois cantores que atuaram em “New Born Day”, saindo Gudny Aspaas e Rune Sundby, bem como o guitarrista Hans Petter Danielsen também estariam fora do projeto do segundo álbum. O Ruphus de sete membros no primeiro álbum passaria a ter cinco músicos, com  Rune Østdahl como a nova vocalista em “Ranshart”. 

Vale também falar da arte gráfica de “Ranshart”, da concepção muito bem feita e arrojada, não apenas do segundo álbum, mas também do primeiro trabalho, “New Born Day”. As ideias partiram do baixista e flautista Asle Nilsen, onde a capa do debut do Ruphus, com aquela sombria paisagem de inverno e quando, na versão do LP, abre a capa tem a mesma paisagem nas cores das flores do verão, por isso que o nome é “New Born Day”, já o segundo álbum, o alvo de nossa resenha, o “Ranshart” é inspirado por um conto de fadas de um livro que Nilsen leu de Frans Werfel chamado “Song of Bernadette”.

Então a formação em “Ranshart” tinha: Rune Østdahl nos vocais, Kjell Larsen na guitarra, Håkon Graf nos teclados, Asle Nilsen no baixo e flauta e Thor Bendiksen na bateria. E outro ponto positivo deste álbum do Ruphus é a arte gráfica, da capa: exuberante e que fora concebida por Kathinka Rasch Halvorsen.

O álbum é inaugurado com a faixa “Love Is My Light” que começa com piano, Mellotron, órgão Hammond e os vocais muito diferentes de Rune. Definitivamente o destaque para o teclado dando o ritmo e tom da música com uma levada mais sinfônica seria a tônica de todo o álbum da banda.

"Love is My Light"

"Easy Lovers" oferece um lindo violão das linhas de baixo vigorosas de Larsen e Nilsen, sintetizadores majestosos flutuando no fundo, o genuíno rock progressivo no seu mais lindo ápice.

"Easy Lovers"

Tem sequência com a grandiosa “Fallen Wonders” com guitarras saborosas, com lindos solos que nos faz flutuar, sair do ponto comum e viajar a um doce desconhecido, sem contar com tons de baixo que acompanham fielmente a bateria bem cadenciada e, claro, os teclados em vertentes sinfônicas lembrando bandas como o Yes, por exemplo.

"Fallen Wonders"

“Pictures Of A Day” mostra uma atmosfera mais viajante, mais psicodélica, com sons eletrônicos e a presença marcante da flauta e sintetizadores mostra a forte realidade sinfônica deste álbum. Uma bela música instrumental.

"Pictures of a Day"

Finaliza o álbum com “Back Side” uma linda e poderosa balada sinfônica com destaque para os vocais e belo instrumental, intricado e complexo, fechando com chave de ouro. Um ritmo suingante com corridas alucinantes de hammond, violinos, uma faixa definitivamente dinâmica.

"Back Side"

Para divulgação de “Ranshart” o Ruphus fez uma turnê com uma razoável quantidade de shows e foi convidado para tocar no festival mais importante da Noruega, o “Ragnarock Festival”, em 1974. Teve três edições, o festival, acontecendo em 1973, 1974 e 1975. O Ruphus, além de ter participado da segunda edição, tocou também em 1975.

Festival Ragnarock (1974)

A sua discografia, depois de 1976 modifica muito, tendo a banda flertando com a música negra, inclusive. Foram convidados para tocar em um festival na Alemanha chamado “Brain Festival”, promovido pela emblemática gravadora que sempre apoiou o rock alemão underground, principalmente pela nova cena sinfônica alemã, e se apresentar ao lado de bandas como Guru Guru, Novalis, Jane, Release Music Orchestra, Gate e Message, tendo até certo sucesso na Alemanha e em seu país natal apenas, o que ocasionou em seu fim, em 1981.

Porém a maioria dos membros do Ruphus ou pelo menos aqueles que se destacaram na banda ao longo de sua discografia, ainda são músicos ativos. Håkon Graf vive em Los Angeles e é muito ativo como músico de estúdio. Kjell Larsen também é muito ativo e tem muitos projetos em andamento. 

Thor Bendiksen tocou por um longo tempo, mas infelizmente ficou com zumbido no ouvido e teve que parar de tocar. Gudny Aspaas, vocalista da banda em “New Born day”, ainda está cantando e Jan Simonser também está tocando, exceto o baixista e flautista Asle Nielsen que construiu uma carreira como engenheiro de som e chefe de áudio profissional na “Bright Norway”.

Todos os álbuns do Ruphus foram relançados, em 2017, pelo selo “Karisma Records” e essa aproximação se deu devido a uma apresentação da banda em um festival de progressivo em Haugesund, na Noruega, nessas voltas da banda, em 2017 e lá estavam alguns representantes do selo. 

Eles conversaram com a banda que tinham o interesse de relança-los e a banda não hesitou, autorizando. Foi um processo de reativação da história da banda para as novas gerações e foi um sucesso, com vendas significativas.

“Ranshart” traz um rock progressivo sinfônico dos anos 1970 do jeito que deveria soar. Para aqueles que valorizam os dois lados da moeda dos dois primeiros álbuns do Ruphus entenderão que são momentos distintos de inquietude criativa, mostrando que nunca se renderam às linearidades da carreira e dos clichês dos rótulos, da temível e silenciosa zona de conforto. E vai valorizar sem sombra de dúvida o segundo e grande álbum do Ruphus.

Por mais que a crítica norueguesa não tenha recebido bem, à época, “Ranshart”, para contrariedade do Ruphus, foi sem sombra de dúvida um ponto de virada para a banda, que mesmo com a rotatividade de músicos que, sem sombra de dúvidas influenciou na sua sonoridade ao longo de sua discografia, mostrou também que o Ruphus, mesmo sem o sucesso comercial, tornou-se grande por não se escravizar por uma determinada sonoridade, abrindo asas para a música e tudo o que ela pode proporcionar. Uma grande banda norueguesa e, claro, altamente recomendado.

A banda:

Asle Nilsen no baixo e flauta

Thor Bendiksen na bateria

Kjell Larsen na guitarra

Håkon Graf nos teclados

Rune Østdahl no vocal

 

Faixas:

1 - Love Is My Light

2 - Easy Lovers, Heavy Moaners

3 - Fallen Wonders

4 - Pictures of a Day

5 - Back Side 

"Ranshart" (1974)

 

 

Sainte Anthony's Fyre - Sainte Anthony's Fyre (1970)

 

Os anos de ouro do rock n’ roll norte americano! Sim! A segunda metade dos anos 1960 produziram bandas que compuseram a cena psicodélica americana. Janis Joplin, Grateful Dead, The Doors entre tantos outros gritavam aos 4 cantos do país, do mundo o “flower power”, o seu repúdio à Guerra do Vietnã e a música era o farol. Músicas experimentais e psicodélicas reinavam absolutas.

Mas como o bom rock n’ roll sugere ou deveria, ao menos, sugerir, costuma subverter a ordem e algumas bandas, poucas bandas, diga-se de passagem, traziam algo de diferente à época. Algo mais pesado, não apenas na relevância de sua história, como também no som. Basicamente o som revelava a sua história e trazia a contundência de serem desbravadores e que, muitos deles, não recebiam o devido crédito.

Não recebiam crédito exatamente por trazer algo novo e de difícil digestão entre a indústria fonográfica que, convenhamos, sempre foi conservadora e o público ou pelo menos parte dele, apesar da juventude ser ávida por coisas novas e que confrontasse o status quo.

Algumas bandas merecem uma parte, um adendo e aqui cito The Stooges, Alice Cooper, Sir. Lord Baltimore, Blue Cheer, Pentagram, MC 5 entre tantas outras. Umas ganharam a redenção comercial, outras caíram no ostracismo. Mas há uma, em especial, que merece um capítulo neste reles e humilde blog, merece a luz, pois caiu no esquecimento fundo do baú empoeirado do rock. Falo do SAINTE ANTHONY’S FYRE.

O Sainte Anthony’s Fyre foi uma das bandas mais significativas de Trenton, New Jersey, nos Estados Unidos. Bem pelo menos por lá ganhou alguma notoriedade, sobretudo pelas as suas apresentações ao vivo. Mas deixemos as peripécias do Sainte Anthony’s Fyre para depois.

A banda era um power trio o que, pelo menos para mim, já se torna um atrativo e não duvido que tenha sido um dos primeiros da terra do Tio Sam. Acredito que também tenha sido uma das primeiras a tocar hard rock neste país, juntamente com o próprio Blue Cheer, Blue Oyster Cult, Pentagram entre outras pérolas. O Sainte Athony’s Fyre era formado por Greg Ohm na guitarra, vocal, Tomm Nardi no baixo, vocal e Bob Sharples na bateria, percussão.

Sainte Anthony's Fyre

O guitarrista e vocalista Greg Ohm foi a espinha dorsal da banda e como filho de Trenton, nascido por lá, tocando em algumas bandas locais. Ohm tinha relação com a música desde a infância tocando violino, música clássica no ensino fundamental, no Trenton High’s Orchestra, e também esteve na faculdade, no curso de música e entrou na banda Peter’s Precious Soul que era muito conhecida localmente.

Bob Sharples, o baterista, é de nacionalidade britânica. Ele sempre fazia viagens para os EUA e voltava também até que, em uma decisão radical, decidiu ficar nos Estados Unidos. Como Ohm, Sharples também era ligado à música desde criança. Aos dez anos estava na BBC tocando trombone. 

Antes do Sainte Anthony’s Fyre rodou em várias bandas, já nos Estados Unidos: The Statics, Orange Invasion, The Tins, DD e Dive Bombers eram algumas que tocou. Quando completou 15 anos de idade fez um teste para um cara que ele julgou ser muito estranho chamado Tom Nardi, que viria a ser o baixista do Sainte Anthony’s Fyre. Gravariam um álbum, meio pop, de nome “The Marshmallow Way”. Eles se juntariam a um radialista da Filadélfia que fazia shows aos sábados. Era a banda The Third Degree que fez algum “barulho” na cena psicodélica.

"The Third Degree"

Tom queria implementar algo de The Who na banda, aquela energia e peso no palco. A banda chegava a quebrar os amplificadores e todo tipo de equipamento que existiam na sua frente, capitaneado, claro, por Tom Nardi. A banda fez algumas apresentações em escolas, auditórios e até igrejas. Mas não durou muito tempo e a banda terminou. Tom e Bob ficaram sem se ver por algum tempo.

O nascedouro do Sainte Anthony’s Fyre começou em algumas jam sessions em um prédio onde alguns amigos e músicos se reuniam para ouvir música, tocar, no caso dos jovens músicos, e também para, é claro, fumar uns baseados, tomar anfetamina entre outros psicotrópicos, afinal, eram os anos 1960. Greg Ohm, que já tinha alguma reputação na área, ganhou certa respeitabilidade na cidade e o Bob decidiu sair com ele, para trocar uma ideia, mas eram raras as ocasiões.

Um belo dia Greg ligou para Bob. Disse que se juntou a um promotor de rock, Jean Francis, que estava agenciando uma banda que estava fazendo certo sucesso, o Betsy Jean and The Gems, era uma dessas bandas que faziam seções de metais. 

Greg estava em contato com ela e que Bob seria o baterista. Quando chegaram ao estúdio de Jean tinha um cara, de nome Richy Helmke, tocando um baixo. Ela pediu que eles começassem a tocar, embora não tivesse uma banda completa com o que ela desejava: tecladista, vocalista e caras que tocassem os instrumentos de sopro.

Enquanto isso não rolava os caras experimentavam algo como Hendrix, ou seja, peso, muito peso. A Jean ficava irada, revoltada e descia do seu escritório, no terceiro andar, e repreendia os meninos. Assim nasceria a “maquete’ do Sainte Anthony’s Fyre. E assim, sempre quando a produtora estava longe, eles faziam o seu som pesado e barulhento, até que um dia, cansada de ouvir o som que não gostava, decidiu expulsar os jovens músicos do seu estúdio.

E foi assim subvertendo que a banda nasceu! Em algumas apresentações raras com a Jean Francis comandando, eles sempre “destoavam” daquela música ao estilo “motown” e irritava a produtora. Mas foi dessa forma que a banda conquistou uma capacidade de improvisação com solos longos.

Então Richy, Bob e Greg tentaram algo novo, uma banda nova, fazer algo novo e que eles estavam curtindo, apesar de Greg ser o mais “inovador” da banda, trazendo algo de improvisação por instrumentos de sopro etc. 

Eles não conseguiam chegar a um consenso com relação ao nome da banda. Até que um dia o Greg estava limpando o sótão na casa da avó até que encontrou um velho jornal com a seguinte manchete: "Fogo de Santo Antônio atinge a cidade francesa", lê-se “Fogo de Santo Antônio” em inglês: “Sainte Anthony’s Fyre”. A história era de que uma plantação de trigo desenvolveu “ergot”, que é uma doença fúngica que afeta o centeio e outras planta, sendo contaminada. O trigo foi usado para fazer pão e o tal alimento, contaminado, teve um efeito semelhante a uma “viagem” de LSD. Pronto! Era o nome ideal para a banda!

Os demais integrantes odiaram o nome, mas como estavam em um impasse na escolha do nome da banda havia tempo, cederam a dica de Greg. Após a superação da escolha do nome da banda, o próximo passo era os ensaios, o local para ensaiar e compor as músicas para tentar gravar um álbum e sair em turnê! Quanta coisa, quanto caminho a percorrer! O primeiro local era o porão da casa dos pais de Bob. E sempre era difícil conseguir espaço e tranquilidade para tocar.

Greg trouxe as primeiras composições e sempre tinha de fazer do jeito dele, rolando as primeiras brigas entre os integrantes. Eles conseguiram um novo empresário chamado Dickie Diamond que também mantinha músicos e bandas como Patti La Belle e as Blue Belles, bem como Kool & The Gang. Richy foi convocado pelas forças armadas e ficaram sem baixista. Então lembraram-de de Tom Nardi que, quando recebeu o convite, logo se integrou à banda.

Antes do Sainte Anthony’s Fyre gravar seu álbum, o seu novo empresário, Dickie, fez a banda gravar com Patti LaBelle e o pagamento por isso foi deixá-los gravar algumas faixas para a banda. O estúdio era o L & H que ficava nos arredores da Filadélfia. 

Mas não deu certo com esse estúdio e logo com o empresário Dickie Diamond. Foram contratados pelos estúdios “Electric Ladyland”. Os novos empresários da banda, Bob Balerna e Frank Kelly eram donos de uma cadeia de lojas de roupas hippie, a principal de Trenton, em New Jersey. Após o expediente na loja, as portas eram trancadas e por lá ensaiavam. Eles ensaiavam no porão do “Hip Pocket”.

A medida que a base de fãs do Sainte Anthony’s Fyre crescia surgia a possibilidade da Zonk Productions financiar o lançamento do seu primeiro álbum, principalmente por conta de suas apresentações ao vivo. A banda abria shows de nada menos que MC 5, Wishbone Ash, Grass Roots, Rare Earth, Fleetwood Mac e Joe Cocker. Já tinha alguma reputação nas redondezas.

“Saint Anthony’s Fyre” foi gravado por volta do final de 1969 em um estúdio em Pennsauken, Nova Jersey, que era dirigido pelo baixista do Lovin' Spoonful, sendo lançado oficialmente em 1970. Tocou em várias rádios undergrounds das regiões no entorno à Nova Jersey e Filadélfia, sobretudo quando as bandas mais conhecidas, como Mountain e Blue Cheer tocasse naquelas regiões. Foram em torno de 5.000 a 10.000 tiragens lançadas. Não se sabe ao certo o quanto foi lançado, não há consenso entre banda e gravadora sobre isso.

O álbum é definitivamente um senhor petardo de hard rock, envolvidos em finas camadas psicodélicas, o que é totalmente normal levando em consideração o período em que fora concebido, em uma transição de décadas, mas excessivamente pesado, cru, sujo e intenso, muito intenso!

Começa com “Love Over You” e já com aquele já anunciado petardo que personifica o álbum em sua totalidade. Riffs e solos de guitarra ensurdecedores, pesados, totalmente despretensiosos, mas com alma, com intensidade, com força. A “cozinha” se faz presente e tempera a música com mais peso, mas que, ao mesmo tempo cadencia, dando versatilidade e complexidade a música.

"Love Over You"

“Summer Fun” tem a presença intensa dos riffs de guitarra que é o “tempero” do peso da música, com a “cozinha” demasiadamente entrosada, a bateria repleta de viradas emocionantes e o baixo marcado e pulsante. Uma faixa simples, mas cheia de personalidade, com a banda mandando ver!

"Summer Fun"

“Star Light” é uma beleza à parte e traz um Sainte Anthony’s Fyre mais funk, com mais groove, mais dançante. Seria herança de suas experiências com Patti LaBelle, produtores com viés da Motown? Não saberemos, mas a música com a tal versatilidade mencionada na descrição da primeira faixa, aparece novamente em “Star Light”. O funk, o groove com a pegada intensa do hard rock é evidente.

"Star Light"

“Lone Soul Road” traz as exuberâncias dos riffs de guitarra, do baixo pulsante, da bateria. É um verdadeiro desfile dos dotes dos músicos e seus instrumentos, claro. Solos de bateria, guitarra e baixo, mostram todo o arrojo da banda e sua sinergia sonora.

“With Your Beau” vem com alguns solos de guitarra em overdubs bem estranhos, o que apimenta, claro, a música. Mas por mais que seja estranho e até, em alguns momentos, sombrio, a música traz referências de bandas como Cream, pois flerta com, além do hard rock, com uma ácida psicodelia, transformando-a em algo, diria, beligerante. O vocal é o destaque nessa faixa.

"With Your Beau"

“Chance of Fate” começa avassaladora com a peso da bateria conduzindo tudo de forma intensa e indulgente, mas com qualidade e destreza, além de um vocal rasgado, por vezes, gritado, com solos curtos e diretos de guitarra e o baixo sempre acompanhando, de forma incrível, todo o conceito de peso da música.

"Chance of Fate"

“Wet Back” fecha com um Sainte Anthony’s Fyre mais dançante, candenciado seria mais apropriado. O fato é que nessa música não há como ficar parado, mas o peso está lá, afinal é a marca registrada, a célula mater do álbum. Mais uma vez também, que fique registrada a qualidade instrumental deste trabalho e da música em questão e o solo de guitarra é de tirar o fôlego.

O Sainte Anthony’s Fyre seguiria a sua saga de shows e apresentações ao vivo e abrindo para bandas do naipe de Grand Funk Railroad, Fleetwood Mac, James Gang, Edgar Winter Group e vários outros e era essa a intenção da banda e era em cima do palco que se realizavam. Era quando cresciam como músicos.

Mas a banda não vingou. Após o fim do Sainte Anthony’s Fyre, em 1973, Bob Sharples foi morar com a primeira esposa em Arkansas e fez alguns trabalhos como baterista não muito conhecidos. Greg Ohm também não teve tempo de seguir com outros projetos, pois morreu, pouco tempo depois do fim da banda, de cirrose em decorrência da ingestão excessiva de bebida alcoólica. 

Tom Nardi permaneceu em Nova Jersey tocando baixo em outras bandas, mas sem êxito comercial. Tocou inclusive com Greg em um desses trabalhos em outras bandas, mas que teve fim precoce também.

Apesar do fim precoce do Sainte Anthony’s Fyre, a banda, sem sombra de dúvida, deixou uma marca indelével para o hard rock norte americano e, mesmo que tenha sido “regional” ajudou a desbravar e moldar, consequentemente, o estilo pelos Estados Unidos e hoje, graças às redes sociais e alguns bravos abnegados a música do Sainte Anthony’s Fyre vem ganhando novos admiradores e adeptos como esse que vos fala.

E isso se confirma com alguns comentários, diria, emblemáticos de revistas e críticos como a da popular britânica “Shindig!” que proclama: “Uma obra-prima do hard rock, encharcado de fuzz!”

40 anos depois do seu lançamento o álbum ganhou um relançamento pelo selo “Rockadrome”, corroborando o interesse e a necessidade quase que urgente de que esse álbum merecia ganhar a luz! Esta edição limitada em vinil vem com um pôster e uma inserção com encarte, fotos e letras. E em 2013 veio a versão remasterizada em CD.

A banda:

Tom Nardi no vocal e baixo

Gregory "Greg Ohm" Onushko no vocal e guitarra

Bob Sharples na bateria e percussão

 

Faixas:

1 - Love Over You

2 - Get Off

3 - Summer Fun

4 - Starlight

5 - Lone Soul Road

6 - With Your Beau

7 - Chance of Fate

8 - Wet Back

"Sainte Anthony's Fyre" (1970)

Versão para Download de "Sainte Anthony's Fyre": Clique aqui

 

 

Armaggedon - Armaggedon (1970)

 

Estamos em um período de escassez criativa! Essa talvez seja a minha única crítica, a minha única preocupação no rock n’ roll. Eu tentei, em dado momento ou em vários momentos, refletir o que tem acontecido com a cena rock. Talvez seja a forma como ouvimos a música ou como buscamos por ela. Contextualizei a possibilidade de que estivesse garimpando erradamente, buscando as mesmices do mainstream que traz, em sua maioria, bandas sem alma e vendidas a um anseio vazio de um mercado ávido por música pasteurizada e que evita a reflexão ou coisa que o valha.

O que dizer da cena stoner e doom metal, que há pouco mais de 20 anos, aproximadamente, vem crescendo, principalmente em termos quantitativo, chegando ao patamar de saturação? Será que estaria enganado quanto a tal escassez criativa? Talvez! Afinal as bandas são excepcionais, ou pelo menos a esmagadora maioria, mas hoje vejo cópias surgindo, o famoso e temível “mais do mesmo” e nada além, nada que de fato arrebatasse o ouvinte, transformando-se em uma espécie de amontoado de bandas e álbuns.

Nada se assemelhará aos incríveis anos 1970 que, claro, como toda cena, surgiram também os oportunismos e a falta de originalidade, mas foi a época em que as bandas, em todo o planeta, experimentaram, trouxeram elementos peculiares à sua música trazendo conceitos sonoros arrojados e que não se renderam aos estereótipos da qual somos escravos e vítimas atualmente.

E já que estou falando do arrojo sonoro, da música, não há como deixar de mencionar a cena rock alemã de meados dos anos 1960 e todos os anos 1970, tendo o krautrock como o seu pilar e a sua referência. Apesar de ser um nome pejorativo, em tom de galhofa por parte da imprensa britânica, o kraut trouxe novidades a uma Alemanha pós-guerra, sem auto estima cultural e bandas que, nos primórdios, eram tidos como grupos de hippies que queriam peitar o status quo, trazendo  uma nova perspectiva cultural, comportamental e política para a Alemanha, aventuraram-se na música psicodélica, lisérgica, buscando a referência no movimento contracultural norte americana, sobretudo, claro, no rock psicodélico.

E uma banda, voltando à Alemanha, por mais rara e obscura que tenha sido, foi de suma importância para um movimento musical do rock que ostentava o minimalismo, o experimentalismo, a introspecção, a viagem psicodélica repleta de ruídos, barulhos eletrônicos. Essa banda colocou em um caldeirão o rock psicodélico, o blues rock e o hard rock, em pleno início de 1970, onde o krautrock, principalmente em bandas mais emblemáticas como Kraftwerk, Amon Duul II e Can, se ouvia a viagem experimental. Falo do ARMAGGEDON!

Mas não se enganem com o Armageddon britânico formado pelo icônico guitarrista e vocalista Keith Relf, que inclusive a sua resenha pode ser lida aqui, ou ainda da banda norte americana Armaggedon, mas da banda alemã, talvez a menos conhecida das suas “irmãs” de mesmo nome.

A palavra “Armagedão” ou “Armageddon” é atribuída ao livro de São João, ao Apocalipse de São João, o último livro da Bíblia e, diante, desses conceitos e visões apocalípticas que esse livro traz, entrega também a inspiração para batizar bandas de rock, afinal, tem tudo a ver, não acham? Essa necessidade premente de chocar, de trazer o impacto a sociedade pseudo conservadora também foi uma tônica no rock germânico dos anos 1960 e 1970 e por que não dizer dos dias atuais naquele país?

O Armaggedon alemão surgiu da mente de um brilhante guitarrista chamado Frank Diez que começou a sua carreira em 1960 e sempre à frente do seu tempo, começando a tocar blues rock e tinha como inspiração musical, claro, o blues americano, bem como o folk rock, muito típico nos anos 1960. Em seu site (frankdiez.de), ao ler a sua biografia, diz que ele foi o único guitarrista alemão que teria tocado com Jimi Hendrix, Chuck Berry e Little Richard. Uau! Que escola! Se de fato esses momentos acontecerão, é totalmente compreensível essa veia bluseira pesada, intensa.

Frank Diez

E assim o foi quando formou o Armaggedon! Tinha como base o blues, o blues rock que surgia na Inglaterra com o Jeff Beck, o Cream, no Canadá com o Steppenwolf e tiveram nessas bandas o pioneirismo no estilo, na fusão do rock com o blues em um acabamento mais pesado, mais agressivo, fugindo e muito do que fazia o Rolling Stones, na sua gênese. E ousaria dizer que o Armaggedon criou esse conceito na Alemanha. E as vezes me pergunto: Como que essa banda é pouco conhecida? Como que essa banda não ganhou o reconhecimento naquela época?

O Armaggedon era formado, além do guitarrista Frank Diez, pelo vocalista e tecladista Manfred Galaktik, o baixista Michael Nurnberg e o baterista Jurgen Lorenzen. Hoje esses nomes podem não dizer nada, mas graças a abnegados que trabalham positivamente com as redes sociais que difundiram sua música e que nos faz chegar a conclusão de sua importância para à época, trazendo uma inspiração sonora anglo-americana com uma cara totalmente germânica, com o peso e a agressividade que o rock naquele país produziu.

Armaggedon

O Armaggedon assinou contrato com o lendário selo “Kuckuck”, em 1970 e as gravações para o seu debut começaram na virada de julho para agosto daquele mesmo ano. Os caras ficaram, pasmem, apenas nove dias em estúdio! Em menos de duas semanas a banda foi capaz de fazer história, mesmo que não reconhecida em 1970, no rock alemão. O suficiente para que hoje seu álbum seja objeto de suspiro e de loucura para todos os amantes de rock, e acredito que, diante do ostracismo em 1970, há quem tinha se deixado arrebatar para este álbum no seu primórdio.

O álbum, homônimo, lançado em 1970, além da notável e brilhante referência do blues rock, com pitadas psicodélicas, trazia algumas inspirações progressivas, tudo isso envolto em uma chama pesada do hard rock. Eram os anos 1970 e eram perceptível bandas flertarem com tantos estilos que ainda eram meio que embrionários, estavam em formação.

O álbum é inaugurado com a música “Round” e já começa com o pé na porta. Um senhor petardo, um voluptuoso hardão setentista com riffs pesados, arrogantes e pegajosos. Diria que essa faixa pode ser considerada como um proto metal, pois traz o peso e a agressividade necessária para se chegar a essa conclusão. Não podemos negligenciar o vocal indulgente de Galatik e as viradas rítmicas tendo uma textura primorosa dos teclados, dando o contraponto ao peso da guitarra. Fabulosa faixa!

"Round"

Na sequência temos uma virada na proposta do álbum, mas que sintetiza a sua versatilidade, com a música “Open”. Traz uma viagem mais lisérgica, psicodélica e contemplativa, diria, sem medo de errar, que se trata de um space rock ao estilo Pink Floyd em seu clássico “Meddle” e não podemos deixar de dar os créditos nas viradas de bateria e da guitarra dando o clima necessário à proposta sonora. Um conceito prog/space rock de excelente qualidade.

"Open"

“Oh Man” volta ao estágio inicial: hard rock e blues rock da melhor qualidade! E aquele riff típico de um hardão, meio desleixado e sujo, abre a música e o vocal rouco e despretensioso é o destaque com riffs atrás de riffs de guitarra que dá o tom pesado a faixa, mas que traz algo meio dançante e a bateria dá esse groove saboroso.

O primeiro cover da banda, em um total de dois, vem com o clássico exuberante da banda Jeff Beck Group, “Rice Pudding”. Mas não se enganem que seria uma versão idêntica da banda do grande Jeff Beck! Pelo contrário! Traz a versão blues, com pitadas generosas de hard rock, mas com uma pegada bem lisérgica também. Espetacular!

"Rice Pudding"

“People Talking” entrega também uma pegada mais dançante, menos pesada, até, diria, mais comercial, radiofônica, mas que ganha substância com os solos de guitarra que, embora simples, encorpa a música, além de um baixo pulsante e vibrante que segue em uma salutar disputa com a guitarra de Diez.

E fecha com outro cover chamado "Better By You, Better Than Me", um clássico da banda Spooky Tooth. E confessarei que não sei qual versão gosto mais, se é a original ou a versão do Armaggedon! Poderia dizer do Armageddon? Olha hein! E que maravilha ficou essa versão! O vocal mais limpo, mas potente, altivo, os riffs de guitarra que entoam potência que rivalizam com uma atmosfera mais soturna, psicodélica. Solos simples de guitarra nos faz dançar, entrar em transe! Fantástico!

"Better By You, Better Than Me"

Este álbum é um excelente exemplo da excelente cena do Krautrock progressivo alemão no início dos anos 1970, mas que trouxera à época uma grata novidade: a junção do blues, do classic rock, do hard rock, do prog rock e do psych. Tudo em um só álbum! Um álbum que deveria ser incluído em toda coleção de discos que se preze!

O álbum do Armageddon disparou de preço nos últimos anos, devido ao crescente interesse, graças ao advento das redes sociais e de abnegados que garimpam e disseminam tais pérolas esquecidas e obscurecidas pelo ostracismo no universo do rocn n’ roll. Mas no entanto a demanda pela banda foi muito baixa, em 1970 e o Armaggedon logo se separou após o lançamento de seu único álbum.

Mas o que também fez com o interesse pelo Armaggedon e seu álbum tenha crescido nesses últimos anos foi também pelo relançamento de “Armaggedon” em 1991 com um som mais limpo e nítido, com um ótimo trabalho de remasterização digital, com uma edição limitada de apenas 1.000 cópias numeradas.

Após o fim do Armaggedon Frank Diez tocou jazz rock com a banda Emergency e mais tarde com Randy Pie, Karthago, Ihre Kinder e Atlantis, Snowball e Eric Burdon's Fire Department. Fundou a Peter Maffay Band que durou, com a sua liderança, por 30 anos. As suas habilidades afloraram também como produtor: Miller Anderson, Telecats, Blues Company e por último, mas não menos importante, sua produção solo melancólica e bela "Stranded on Fantasy Island" são apenas alguns exemplos.

Mesmo que diante do pouco caso pela qual o Armaggedon sofreu em sua gênese, e seu álbum ficando em segundo plano, caindo no ostracismo, no esquecimento, o tempo, mesmo que demasiadamente longo, se encarregou de coloca-lo no seu devido lugar de importância, de pioneirismo. Um arrojado trabalho que conferiu o título, a honraria de um álbum relevante, consiste de blues rock germânico. Altamente recomendado!

A banda:

Frank Diez na guitarra 

Manfred Galatik  nos vocais e teclados

Michael Nürnberg no baixo e guitarra rítmica

Jürgen Lorenzen na bateria

  

Faixas:

1 - Round

2 - Open

3 - Oh Man

4 - Rice Pudding

5 - People Talking

6 - Better By You, Better Than Me       

"Armaggedon" (1970)